John Dowland y la canción monódica renacentista

Las canciones con acompañamiento de laúd de John Dowland constituyen una singular intersección de tres ámbitos musicales –la música para laúd, la canción polifónica y la música de danza– cuyo desarrollo a lo largo del siglo XVI tuvo lugar de forma relativamente independiente pero sin dejar nunca de estar interconectados.

En esta entrada repasaremos estos aspectos –la música para laúd, la canción y la danza renacentista– y haremos un breve recorrido por la canción monódica del siglo XVI tomando como ejemplo dos célebres canciones –o ayres, según el término empleado específicamente para este género– de este lautista y compositor inglés: «Flow my tears» y «Can she excuse my wrongs?», ejemplos, respectivamente, de dos formas de danza fundamentales del Renacimiento tardío: la pavana y la gallarda.

El «Libera me» de Fauré y el movimiento liturgista en Francia (análisis)

La misa de difuntos católica –conocida como Requiem, de acuerdo con las palabras del Introito que la abre («Requiem aeternam») vivió un significativo auge durante el siglo XIX como pieza de concierto –a la manera de un oratorio con grandes efectivos corales y orquestales y con solistas vocales– tal como lo moldearon autores como Berlioz, Verdi o Dvořák.

En contraste con estos grandes Requiem, el de Gabriel Fauré tuvo su origen como pieza destinada a la liturgia, circunstancia que explica su menor formato y su contención expresiva. En esta entrada, aprovecharemos el análisis de uno de sus números –el «Libera me»– para repasar el importante papel jugado por diversos movimientos de orientación católica en la música francesa de la segunda mitad del siglo XIX.

La Sonata para violín de César Franck y el wagnerianismo en Francia (análisis)

La Sonata para violín y piano en La mayor del compositor belga nacionalizado francés César Franck, compuesta y estrenada en 1886, es una de las obras de cámara más interpretadas en su género. Es también uno de los productos musicales más brillantes del Ars Gallica, movimiento francés que transformó el panorama musical de este país en unas pocas décadas, abonando el terreno para el nacimiento y desarrollo posterior del Impresionismo musical.

En esta entrada analizaremos el cuarto movimiento de esta obra, una originalísima forma de sonata monotemática con un delicioso tema principal en forma de canon, y que además constituye el colofón del planteamiento cíclico de esta sonata.

Beethoven – Sinfonía nº3, «Heroica» 1er movimiento (análisis)

Siguiendo la estela de nuestros artículos dedicados a la forma de sonata –así como a la sinfonía–, dedicamos esta entrada al primer movimiento de una de las sinfonías más rompedoras de la historia de este particular género, así como uno de los ejemplos de forma de sonata más magistrales de su autor: la que conforma el primer movimiento de la Sinfonía nº3 en Mi bemol mayor, op. 55 «Heroica» de Ludwig van Beethoven.

Atenderemos a distintos aspectos de esta obra, desde su célebre dedicatoria a Napoleón, algunas polémicas en torno a su forma musical, el inédito protagonismo del ritmo y otras cuestiones relativas a su estructura.

Un rondó clásico: el rondó del Trío «Gitano» de Haydn

El trío para piano, violín y violonchelo constituyó durante el siglo XVIII un formato de música cámara relativamente ligero. Concebido originalmente casi como una sonata para piano con acompañamiento opcional de violín y violonchelo (la parte de violín doblando la melodía principal y el violonchelo doblando el bajo del piano), el género mantuvo un discreto estatus hasta que Beethoven emancipara gradualmente a los instrumentos de cuerda en sus tríos, publicados entre 1795 y 1816.

En esta entrada trataremos este género musical tomando como caso de estudio el rondó «all’Ongarese» (a la húngara) del Trío con piano nº39 de Franz Joseph Haydn. Las raíces gitanas de esta pieza conectarán así con el artículo Una breve historia de la música zíngara, mientras que el análisis musical se sumará a nuestra serie dedicada al rondó clásico.

Tres escenas de Boris Godunov de Músorgski

La ópera Boris Godunov [1872] de Modest Músorgski es una de las óperas más radicales y ambiciosas de todos los tiempos. Vanguardista y tremendamente original para los estándares de su tiempo, elabora elementos folclóricos rusos a la vez que propone una novedosa forma de «realismo» apoyada en la veracidad histórica exenta de triunfalismos y en una prosodia musical derivada directamente de la lengua rusa.

Problemática desde sus inicios, la partitura fue difundida principalmente a través de sendas revisiones efectuadas por Rimski-Kórsakov en los años 1896 y 1908, de modo que su partitura original no se consolidó en el repertorio hasta los años 1970. En esta entrada analizaremos tres fragmentos de esta ópera: la célebre Escena dela coronación, la Canción del mosquito y la Muerte de Boris.

El Stabat mater de Pergolesi y la estética del sentimiento (análisis)

Como decíamos en el artículo El llanto de la madre. Ocho siglos de Stabat mater, el Stabat mater es uno de los textos religiosos más y mejor tratados por los compositores de todos los tiempos. De carácter luctuoso, el Stabat mater se ha consagrado a lo largo de los tiempos como una alternativa al Requiem como medio de expresión musical del dolor provocado por la muerte.

En esta entrada analizaremos el primer número de la que es probablemente la musicalización más interpretada de este texto –la de Giovanni Battista Pergolesi, compuesta en 1736–, que es además una de las obras de su siglo que más comentarios y debates despertó durante las décadas sucesivas en torno a un paradigma estético –la sensibilidad, la emoción, el gusto– que señalará el punto de inflexión del estilo musical que acabará por conducir al Clasicismo.

El concierto RV. 522 de Vivaldi y la forma de concierto solista barroco

L’estro armonico es una colección de doce conciertos solistas (para entre uno y cuatro solistas) publicados por el compositor y violinista Antonio Vivaldi en Ámsterdam en 1711, y que constituyó la colección de este autor más reimpresa e influyente de su autor, muy por delante de Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, op.8 [1725], que contenía los conciertos de «Las cuatro estaciones».

En esta entrada, utilizaremos el octavo de los concierto de esta colección (concierto con dos violines obligados en La menor) para estudiar la forma de concierto solista característica del barroco tardío italiano.

Tres ground basses de Dido & Aeneas de Henry Purcell

La técnica del basso ostinato –ground bass en inglés–, consiste en la repetición indefinida de una línea de bajo. La composición basada en esta técnica nació y alcanzó su primera edad de oro durante el siglo XVII, aplicándose a toda clase de géneros, tanto vocales –ópera, cantata, madrigal, motete– como instrumentales –sonatas, chaconas y pasacalles–.

En esta entrada estudiaremos tres ground basses –incluido el célebre Lamento de Dido– de uno de los maestros indiscutibles de este género, el inglés Henry Purcell, todos ellos pertenecientes a su única ópera, Dido and Aeneas, estrenada en la escuela femenina de danza de Josias Priest en 1688 o 1689.

Tres escenas de La coronación de Popea de Monteverdi

Estrenada en el Teatro Santi Giovanni e Paolo de Venecia durante el carnaval de 1643, la ópera La coronación de Popea es la última obra maestra de un compositor que llevaba protagonizando desde hace cinco décadas algunos de los hitos fundamentales en la configuración y consolidación del nuevo estilo musical que hoy denominamos «barroco».

En esta entrada introduciremos esta obra maestra de Claudio Monteverdi a través del análisis de tres breves escenas que ilustran algunos de los variados registros que atesora esta excepcional obra: la escena de la muerte de Séneca, el aria de Arnalta («Oblivion soave») y el dueto final «Pur ti miro».