Las fuentes españolas de Carmen de Bizet

La ópera Carmen de Bizet –estrenada en la Opéra Comique de París en marzo de 1875– moldeó durante décadas una imagen exotizada de España en el extranjero cuyas secuelas aún perduran. Sin embargo, el «españolismo» de Carmen no surgió de la nada, sino que culminó una presencia cultural de lo español en París que comenzó a tomar cuerpo desde la Guerra de independencia y se mantuvo a lo largo del siglo a través de la presencia en los escenarios franceses de espectáculos de danza española.

En esta entrada estudiaremos algunos de los números más inequívocamente hispanos de la ópera de Bizet tras rastrear los antecedentes de la presencia musical –y cultural– española en París y –por extensión– en toda Europa.

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Un virelai polifónico: «Mariam matrem virginem» del Llibre Vermell de Montserrat

El Llibre Vermell (Libro Rojo, llamado así por el color de las cubiertas con las que fue encuadernado por última vez, en el siglo XIX) de la abadía de Montserrat es uno –y quizá más notable– de los manuscritos hispánicos correspondientes al Ars Nova (siglo XIV), la inmensa mayoría de ellos de origen catalán.

En esta entrada analizaremos la pieza polifónica más elaborada del repertorio musical conservado en este original manuscrito –«Mariam matrem virginem»– prestando atención especial a la notación musical.

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Luis de Narváez: Disminuciones sobre «Mille regretz» (análisis)

En nuestro cuarto artículo dedicado a esta célebre chanson del siglo XVI, tras los dedicados a la canción en sí, la misa parodia de Cristóbal de Morales y la pavana de Tielman Susato, trataremos una versión para vihuela de Luis de Narváez, uno de los más grandes vihuelistas del Siglo de Oro español.

Aprovecharemos la ocasión para conocer el novedoso sistema de notación que fue la tablatura renacentista y las «glosas» o «disminuciones», técnicas de improvisación que constituyeron durante siglos uno de los pilares fundamentales de la música instrumental.

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Un himno ambrosiano: Aeterne rerum conditor

Los himnos ambrosianos –llamados así en referencia a su autor, Ambrosio, obispo de Milán– contribuyeron más que ningún otro himno precedente a la incorporación de este particular género a la liturgia cristiana de Occidente a partir del siglo IV.

Estos himnos fueron escritos con un claro propósito propagandístico en contra del arrianismo –herejía por entonces auspiciada por la emperatriz Justina– en un conflicto que tuvo como epicentro a Milán, ciudad del norte de Italia convertida en la capital del Imperio Romano de Occidente desde finales del siglo III por la decadencia de la metrópoli.

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Un retablo de Juan de Nalda y el nacimiento de la notación musical

La Tabla de la Misa de San Gregorio de Juan de Nalda (finales del siglo XV) ilustra el milagro del sangrado de la hostia, obrado cuando el pontífice pidió una señal divina para convencer a un fiel que dudaba de la doctrina de la transubstanciación. La presencia en el altar de lo que parece una partitura –un anacronismo, dado que éstas aparecieron tres siglos después del reinado del papa– alude a otro importantísimo mito ligado a este Padre de la Iglesia, el de la invención del repertorio musical que lleva su nombre: el canto «gregoriano». Este artículo procede de una charla ofrecida por el autor en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid en octubre de 2020. 

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La interpretación chopiniana según Raoul Pugno

raoul_pugno_c-_1890Raoul Pugno, discípulo de Georges Mathias –a su vez discípulo de Chopin–, es autor de dos documentos con un valor excepcional desde el punto de vista del estudio histórico de la interpretación: en primer lugar, unas Leçons écrites publicadas en 1909, donde aporta instrucciones detalladas para la interpretación de un conjunto de obras chopinianas conforme a una tradición supuestamente auténtica, y el registro fonográfico (datado en 1903) del Nocturno op.15 nº2, obra incluida en dichas leçons.

Partiendo de estos documentos, esclareceremos el sentido de la fuente escrita (las leçons) con respecto a la fuente sonora y valoraremos en qué medida contribuye el documento escrito a esclarecer las intenciones interpretativas del autor (versión completa del artículo publicado en la revista digital AV Notas del Conservatorio Superior de Música «Andrés de Vandelvira» de Jaén).

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Feminismo y zarzuela (III): Reivindicación del rol femenino y conclusiones

Los dos artículos precedentes dedicados al estudio del rol femenino en la zarzuela han dado como resultado un panorama profundamente escindido en cuanto a la moral sexual. Por un lado, la zarzuela grande, como estandarte de una restrictiva moral en la que la mujer se muestra como heroica custodia de su virtud. Por otro, los diversos géneros frívolos –zarzuela bufa, género ínfimo, revista, etc.– que presentan a la mujer como un lúbrico objeto de deseo. Ambos, con toda clase de matices y excepciones.

En este artículo final, analizaremos algunas obras que abordan la moral sexual femenina fuera de estas coordenadas, e intentaremos esclarecer las causas del desarrollo de líneas tan polarizadas y excluyentes.

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Dedicatoria y género en el Trío con piano de Chaikovsky (Análisis)

Las dedicatorias constituyeron un elemento imprescindible y característico del Antiguo Régimen. Funcionaron como un símbolo del patronazgo artístico que cumplía una importante función propagandística hacia aquéllos que, con su soporte económico, hacían posible el cultivo de la cultura. Así, prácticamente todas las obras importantes de Beethoven están dedicadas a ilustres mecenas como el príncipe Lichnowsky, el príncipe Lobkowitz o el conde Razumovski, entre los más conocidos, aunque el mismo Beethoven abriría una decisiva brecha con su singular dedicatoria a Napoleón Bonaparte (posteriormente corregida como «para celebrar la memoria de un gran hombre») que incidiría decisivamente en el contenido musical de su tercera sinfonía.

En este artículo trataremos la interferencia entre la dedicatoria y el género musical tomando como referencia una obra de cámara no menos singular: el Trío con piano en La menor de Piotr Ilich Chaikovsky.

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Un Kyrie de Rossini (y varios fraudes musicológicos)

El “Adagio” de Albinoni [1], el “Ave Maria” de Caccini [2] o las piezas para violín de compositores antiguos –Boccherini, Porpora, Martini, Couperin o Pugnani, entre otros muchos– “desempolvadas” por el virtuoso Fritz Kreisler [3] a principios del siglo XX pertenecen a esa inefable categoría musical de obras apócrifas que han alcanzado una notabilísima proyección gracias al insospechado encaje entre el afán defraudador de sus autores y la afición del gran público por el kitsch de anticuario. Hasta el extremo de que algunas de ellas se hayan convertido para el aficionado poco informado –incluyendo a menudo a sus intérpretes– en la única obra conocida de “su” autor.

En este artículo trazaremos un breve recorrido histórico de estos fraudes musicológicos que se remonta a los orígenes de la musicología francesa moderna, y su imbricación con los movimientos románticos de renovación de la música litúrgica, entre los que podemos incluir la singular Pequeña Misa Solemne [1863] de Rossini.

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Feminismo y zarzuela (II): El reverso frívolo

La zarzuela compitió a lo largo de su historia con diversas formas de comedia musical regidas por una moral sexual mucho más laxa que la descrita en el primer artículo dedicado al Feminismo y la Zarzuela. Géneros como el teatro bufo, las variedades o la revista, que en su día se consideraron ajenos –e incluso hostiles– con respecto a la zarzuela, han acabado siendo englobados bajo este término, entendido como sinónimo de teatro musical cantado con diálogos hablados.

En este segundo artículo realizaremos un recorrido por los géneros frívolos del teatro musical español destacando el rol jugado por la mujer, así como su posicionamiento con respecto a la moral sexual.

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