Introducción a las Variaciones Goldberg BWV 988 de J. S. Bach

Las Variaciones Goldberg son consideradas hoy en día una de las obras culmen de la obra de Johann Sebastian Bach, todo un compendio del arte contrapuntístico de varios siglos. Prácticamente desconocidas durante dos siglos, se ha convertido en nuestros días una de las obras más emblemáticas de su autor y un tour de force para pianistas y clavecinistas en las salas de conciertos de medio mundo.

En este breve artículo presentaremos algunas claves de esta obra relacionadas con su peculiar historia y su rica y compleja estructura musical.

Tres piezas del Códice Calixtino (análisis)

El Códice Calixtino (ca. 1140-80) es el documento más exhaustivo y antiguo que describe la vida y el ceremonial en torno a las celebraciones jacobeas que convirtieron en la Edad Media a Santiago de Compostela en un centro religioso de primer orden en el orbe cristiano. Este códice es, asimismo, una de las fuentes más importantes de la monodia y la polifonía del siglo XII, y el más antiguo en incluir una obra a tres voces: el célebre conductus «Congaudeant catholici».

En esta entrada repasaremos los orígenes del Camino de Santiago y el contenido musical del códice citado, tomando como ejemplo y muestra tres (o mejor, cuatro) piezas musicales aquí contenidas: el himno de los peregrinos «Dum pater familias», el Responsorio «O adiutor omnium» (junto con la prosa «Portum in ultimo») y el conductus a tres voces «Congaudeant catholici». Todos ellos nos ilustrarán algunos conceptos básicos de la composición polifónica medieval anterior al Ars nova.

Un motete del Roman de Fauvel («In nova fert/Garrit gallus»)

El Roman de Fauvel es una fábula moralizante con elementos apocalípticos que denuncia en tono satírico los abusos de poder cometidos por Enguerrand de Marigny, chambelán y figura todopoderosa durante el reinado de Felipe IV el Hermoso de Francia. La importancia de la obra, en términos musicales, reside en uno de los doce manuscritos que lo conservan (BnF fr. 146), que incluye una antología de 169 piezas entre las que se encuentran algunos de los primeros ejemplos de polifonía en estilo Ars nova.

En esta entrada nos adentraremos en este importante documento literario, político y musical a través del análisis de uno de sus motetes a tres voces, atribuido a Philippe de Vitry: «In nova fert/Garrit Gallus».

El Magnificat y el sistema tonal renacentista (I): los tonos 1 y 2

El Magnificat –o Cántico de la virgen María– constituye el punto culminante de las Vísperas, oración de la tarde enmarcada en la Liturgia de las horas cristiana. Este texto procedente del episodio de la Visitación de la Virgen María relatado en el Evangelio de Lucas ocupa una posición singular dentro de la liturgia cristiana, al tratarse del único que cuenta –al menos, según la tradición– con la propia virgen María como su «autora».

Durante el Renacimiento y primer Barroco, el Magnificat fue puesto en polifonía y publicado en numerosas ocasiones en series de ocho –uno por cada uno de los ocho tonos Renacentistas–, lo cual convierte a este género en material idóneo para el estudio de la tonalidad Renacentista. En esta entrada comenzaremos su estudio tomando como muestra sendos Magnificat compuestos por Palestrina y Duarte Lobo.

Gérard Grisey: Vortex temporum I (análisis)

Gérard Grisey (1946-1998) es uno de los pioneros y representantes más emblemáticos de espectralismo musical, un movimiento que nacido a finales de los años 1960 que se presentó como alternativa y refutación del serialismo integral. Las premisas de este movimiento, centradas en el análisis y síntesis sonora de acuerdo con principios acústicos y psicoacústicos, se desarrolló en paralelo en dos líneas: la composición electrónica y la composición para instrumentos convencionales.

Tras el artículo dedicado a la obra electrónica Mortus plango, vivos voco (1980) de Jonathan Harvey, dedicamos este otro a una obra instrumental, la segunda sección de Vortex temporum (1994-96), para piano y cinco instrumentos, de Grisey.

Introducción al Cuarteto para el fin de los tiempos de Messiaen

El francés Olivier Messiaen ha ocupado una posición singularísima en la historia de la música del siglo XX por haber sido –además de uno de sus compositores más influyentes– profesor y mentor de los representantes más destacados de algunas de las corrientes musicales de la vanguardia europea más importantes de la segunda mitad del siglo, desde el serialismo integral – Barraqué, Boulez, Goeyvaerts, Stockhausen– en los años 1940 hasta el espectralismo –Grisey, Murail, Levinas– a finales de los 60.

En esta entrada estudiaremos su técnica musical analizando el primer movimiento de su Cuarteto para el fin de los tiempos de 1941.

Las fuentes españolas de Carmen de Bizet

La ópera Carmen de Bizet –estrenada en la Opéra Comique de París en marzo de 1875– moldeó durante décadas una imagen exotizada de España en el extranjero cuyas secuelas aún perduran. Sin embargo, el «españolismo» de Carmen no surgió de la nada, sino que culminó una presencia cultural de lo español en París que comenzó a tomar cuerpo desde la Guerra de independencia y se mantuvo a lo largo del siglo a través de la presencia en los escenarios franceses de espectáculos de danza española.

En esta entrada estudiaremos algunos de los números más inequívocamente hispanos de la ópera de Bizet tras rastrear los antecedentes de la presencia musical –y cultural– española en París y –por extensión– en toda Europa.

Tres canciones de Pierrot lunaire

Con el estreno de Pierrot lunaire op.21 en la Choralion Saal de Berlín en octubre de 1912, el compositor Arnold Schönberg se aseguró un puesto destacado en la música de vanguardia del siglo XX. Nacida por encargo de una valiente y arriesgada cantante de cabaret –Albertine Zehme–, esta obra sacudió las conciencias de una generación de jóvenes compositores –Ígor Stravinski, Maurice Ravel, Alfredo Casella, entre otros– espoleándoles a desafiar los límites del lenguaje musical occidental.

En esta entrada analizaremos las tres primeras canciones de este ciclo atendiendo a diversas cuestiones relacionadas con la propia metodología del análisis, la naturaleza del lenguaje atonal schönbergiano y su conexión con el cabaret.

Dos sonatas de Arcangelo Corelli del op.5 (análisis)

Violinista de excepcional éxito y amasador de una fortuna sin precedentes en la profesión de músico, Arcangelo Corelli fue además acuñador de las formas barrocas maduras de sonata, triosonata y concerto grosso que servirán de modelo a los compositores del Barroco tardío, entre ellos Antonio Vivaldi, G. P. Telemann y G. F. Händel.

En esta entrada estudiaremos dos sonatas del op. 5 de Arcangelo Corelli –escritas en las modalidades de sonata da chiesa y sonata da camera– continuando de este modo la serie acerca de la sonata barroca para violín iniciada con la entrada dedicada a una sonata de Dario Castello y continuada con las dos obras de Francesco Turini y Biagio Marini incluidas en la entrada dedicada a las sonatas barrocas basadas en La Monica.

Un motete en estilo moderno de Margarita Cozzolani

Los roles asumidos en la música por hombres y mujeres a lo largo y ancho de la Historia y las civilizaciones han estado caracterizados por una marcada asimetría. Las tradiciones orales de todo el mundo han establecido distinciones acerca de las funciones que, en la música, han de ser cumplidas por mujeres y hombres, así como de los instrumentos musicales, los géneros y los repertorios que corresponden a unas y a otros.

En esta entrada estudiaremos el efecto de estas desigualdades en el ámbito de la composición musical en el siglo XVII, tomando como ejemplo a la monja benedictina milanesa Chiara Margarita Cozzolani y como objeto de estudio uno de sus motetes a dos en estilo moderno incluidos en sus Concerti sacri a una, due, tre, et quattro voci con una messa a quattro, op.2, publicados en Venecia en 1648.