El Stabat mater de Pergolesi y la estética del sentimiento (análisis)

Como decíamos en el artículo El llanto de la madre. Ocho siglos de Stabat mater, el Stabat mater es uno de los textos religiosos más y mejor tratados por los compositores de todos los tiempos. De carácter luctuoso, el Stabat mater se ha consagrado a lo largo de los tiempos como una alternativa al Requiem como medio de expresión musical del dolor provocado por la muerte.

En esta entrada analizaremos el primer número de la que es probablemente la musicalización más interpretada de este texto –la de Giovanni Battista Pergolesi, compuesta en 1736–, que es además una de las obras de su siglo que más comentarios y debates despertó durante las décadas sucesivas en torno a un paradigma estético –la sensibilidad, la emoción, el gusto– que señalará el punto de inflexión del estilo musical que acabará por conducir al Clasicismo.

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El concierto RV. 522 de Vivaldi y la forma de concierto solista barroco

L’estro armonico es una colección de doce conciertos solistas (para entre uno y cuatro solistas) publicados por el compositor y violinista Antonio Vivaldi en Ámsterdam en 1711, y que constituyó la colección de este autor más reimpresa e influyente de su autor, muy por delante de Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, op.8 [1725], que contenía los conciertos de «Las cuatro estaciones».

En esta entrada, utilizaremos el octavo de los concierto de esta colección (concierto con dos violines obligados en La menor) para estudiar la forma de concierto solista característica del barroco tardío italiano.

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Tres ground basses de Dido & Aeneas de Henry Purcell

La técnica del basso ostinatoground bass en inglés–, consiste en la repetición indefinida de una línea de bajo. La composición basada en esta técnica nació y alcanzó su primera edad de oro durante el siglo XVII, aplicándose a toda clase de géneros, tanto vocales –ópera, cantata, madrigal, motete– como instrumentales –sonatas, chaconas y pasacalles–.

En esta entrada estudiaremos tres ground basses –incluido el célebre Lamento de Dido– de uno de los maestros indiscutibles de este género, el inglés Henry Purcell, todos ellos pertenecientes a su única ópera, Dido and Aeneas, estrenada en la escuela femenina de danza de Josias Priest en 1688 o 1689.

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Tres escenas de La coronación de Popea de Monteverdi

Estrenada en el Teatro Santi Giovanni e Paolo de Venecia durante el carnaval de 1643, la ópera La coronación de Popea es la última obra maestra de un compositor que llevaba protagonizando desde hace cinco décadas algunos de los hitos fundamentales en la configuración y consolidación del nuevo estilo musical que hoy denominamos «barroco».

En esta entrada introduciremos esta obra maestra de Claudio Monteverdi a través del análisis de tres breves escenas que ilustran algunos de los variados registros que atesora esta excepcional obra: la escena de la muerte de Séneca, el aria de Arnalta («Oblivion soave») y el dueto final «Pur ti miro».

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Un aria da capo de Leonardo Vinci

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El aria da capo es la forma musical predominante en las arias de la ópera seria del siglo XVII. Se denomina así porque su estructura resulta de la expresión italiana da capo (desde el principio) situada al final de la partitura, la cual indicaba que, una vez terminada, debía volver a interpretarse desde el principio hasta el calderón central.

Tras el análisis del aria «Vedrò con mio diletto» de Antonio Vivaldi, en este segundo artículo dedicado a este influyente género, analizaremos un aria de Leonardo Vinci, uno de los compositores de ópera más destacados de la década de 1720, extraída de su ópera seria Artasese, estrenada en Roma en 1730, poco antes de su repentina (y nunca esclarecida) muerte.

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Una sonata de Dario Castello (análisis)

front_cover_visual-bolder_2-copyLa invención y expansión del bajo continuo promovió el desarrollo de formas instrumentales de nuevo cuño a lo largo de todo el siglo XVII. Entre ellas, la sonata (de «suonare» = sonar, tocar un instrumento) será la que alcance un desarrollo más largo y duradero.

Tras un primer artículo dedicado a la sonata basada en la variación (Tres sonatas barrocas sobre La Monica), profundizaremos en los orígenes de este género estudiando un formato derivado de las viejas formas polifónicas pero que apunta ya a la sonata da chiesa de Arcangelo Corelli. Nos referimos a las sonatas concertadas en estilo moderno del veneciano Dario Castello.

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Cánones y elaboración motívica en las invenciones a dos voces de Bach

janine_jansen_invencionesTras un primer artículo (dedicado a las invenciones basadas en sujetos cortos), y un segundo (dedicado a las invenciones basadas en la técnica del contrapunto doble), dedicaremos este tercer artículo a estudiar las técnicas canónicas y la construcción motívica en las Invenciones a dos voces de J. S. Bach.

Analizaremos también las Invenciones BWV 773, 775, 779 y 785, cada una de las cuales ilustra alguna faceta de las técnicas canónicas empleadas por Bach en esta colección.

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Secuencias armónicas en las invenciones a dos voces de J.S. Bach

bach_invencionesLas 15 Invenciones a 2 voces [1720] de Johann Sebastian Bach constituyen una pequeña enciclopedia de las más importantes técnicas contrapuntísticas aún vigentes en el Barroco tardío. Si en el primer artículo dedicado a esta colección hemos estudiado principalmente la estructura tonal de estas piezas, en este segundo artículo estudiaremos las secuencias armónicas empleadas a lo largo de sus numerosos y variados episodios.

Proseguiremos también con el análisis individualizado de cuatro invenciones que guardan entre sí una característica común: La utilización de (al menos) un contrasujeto y, con él, de técnicas de contrapunto doble con sentido estructural.

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Cuatro invenciones a 2 voces de J.S. Bach sobre sujetos breves

invenciones_joye1La ciencia del contrapunto se ha manifestado a través de los más diversos géneros. Entre los más modestos se encuentran las 15 Invenciones a 2 voces de J. S. Bach, un magistral compendio de esta ciencia concebido para entrenar a sus discípulos en el arte de la interpretación y en el oficio de la composición.

Obras de paso obligado no solo para casi todos los aprendices de piano de nuestro tiempo, sino también para los aprendices de composición, abrimos esta serie de cuatro artículos dedicados a este singular género con el ánimo de familiarizar al lector con las prodigiosas técnicas en ella exhibidas.

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Música para héroes (I). De los cantares de gesta a la ópera barroca

Pollaiolo - Hercules y la hydraEl héroe ha acompañado a la humanidad desde que ésta tiene memoria de sí misma. El relato de sus azares y sus gestas, pero también de sus devaneos y caprichos, ha excitado las mentes de gentes de todas las clases sociales mucho tiempo antes de que la escritura dejara constancia de ellos, gracias al oficio de rapsodas, bardos y juglares, en las plazas y en las cortes, penetrando en lo más profundo del folclore, de las religiones, y de las artes.

En esta serie de artículos -que completan y complementan la conferencia Música para héroes. De Wagner a John Williams, pronunciada en el Museo Cerralbo de Madrid el 21 de abril de 2016- recorreremos algunos hitos en la evolución de la figura del héroe en la cultura occidental, siguiendo su rastro musical a través de distintos géneros; teatrales, instrumentales y cinematográficos.

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