El Magnificat y el sistema tonal renacentista (I): los tonos 1 y 2

El Magnificat –o Cántico de la virgen María– constituye el punto culminante de las Vísperas, oración de la tarde enmarcada en la Liturgia de las horas cristiana. Este texto procedente del episodio de la Visitación de la Virgen María relatado en el Evangelio de Lucas ocupa una posición singular dentro de la liturgia cristiana, al tratarse del único que cuenta –al menos, según la tradición– con la propia virgen María como su «autora».

Durante el Renacimiento y primer Barroco, el Magnificat fue puesto en polifonía y publicado en numerosas ocasiones en series de ocho –uno por cada uno de los ocho tonos Renacentistas–, lo cual convierte a este género en material idóneo para el estudio de la tonalidad Renacentista. En esta entrada comenzaremos su estudio tomando como muestra sendos Magnificat compuestos por Palestrina y Duarte Lobo.

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John Dowland y la canción monódica renacentista

Las canciones con acompañamiento de laúd de John Dowland constituyen una singular intersección de tres ámbitos musicales –la música para laúd, la canción polifónica y la música de danza– cuyo desarrollo a lo largo del siglo XVI tuvo lugar de forma relativamente independiente pero sin dejar nunca de estar interconectados.

En esta entrada repasaremos estos aspectos –la música para laúd, la canción y la danza renacentista– y haremos un breve recorrido por la canción monódica del siglo XVI tomando como ejemplo dos célebres canciones –o ayres, según el término empleado específicamente para este género– de este lautista y compositor inglés: «Flow my tears» y «Can she excuse my wrongs?», ejemplos, respectivamente, de dos formas de danza fundamentales del Renacimiento tardío: la pavana y la gallarda.

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Luis de Narváez: Disminuciones sobre «Mille regretz» (análisis)

En nuestro cuarto artículo dedicado a esta célebre chanson del siglo XVI, tras los dedicados a la canción en sí, la misa parodia de Cristóbal de Morales y la pavana de Tielman Susato, trataremos una versión para vihuela de Luis de Narváez, uno de los más grandes vihuelistas del Siglo de Oro español.

Aprovecharemos la ocasión para conocer el novedoso sistema de notación que fue la tablatura renacentista y las «glosas» o «disminuciones», técnicas de improvisación que constituyeron durante siglos uno de los pilares fundamentales de la música instrumental.

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Victoria – Motete «Versa est in luctum» (análisis)

Incluido en su Oficio de difuntos (1605), el motete a seis voces «Versa est in luctum» se ha convertido en una de las piezas más estudiadas desde la recuperación de esta magna obra tras la publicación en 1874 de su primera edición moderna a cargo de Franz Xaver Haberl.

El estudio de las fuentes textuales (gregorianas) del motete y el análisis de su parte musical nos servirá para mostrar desde el punto de vista técnico y retórico la sutileza y expresividad de esta breve obra maestra.

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Tielman Susato – Pavana «Mille regretz» (Análisis)

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La pavana fue una de las danzas más importantes y características del siglo XVI. Esta danza de ritmo pausado y compás binario, adquirió una impresionante solemnidad en las cortes francesa y española, en las que fue utilizada como baile de apertura en las grandes celebraciones, y cuyo elaborado desfile de parejas constituyó sin duda la «hoguera de las vanidades» de su tiempo.

Dedicamos este tercer artículo dedicado a la canción «Mille regretz» a esta pavana, publicada en la antología de música de danza conocida como Dansereye [Amberes, 1551], recopilada y arreglada por Tielman Susato.

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Cristóbal de Morales – Misa «Mille regretz» – Kyrie (análisis)

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Uno de los signos inequívocos de la inmensa popularidad que disfrutó la canción «Mille regretz» a lo largo del siglo XVI lo encontramos en la variedad de versiones y adaptaciones de las que fue objeto, tanto vocales como instrumentales, profanas o sacras. La Misa «Mille regretz», compuesta por el sevillano Cristóbal de Morales es un ejemplo de ello.

El Kyrie de la misa de Morales -el primer compositor español que alcanzó fama internacional- nos servirá para ilustrar la misa parodia -misa basada en una composición polifónica-, que se sumará a los ejemplos de misa sobre cantus firmus (Misa «L’homme armé» de Dufay) y misa paráfrasis (Misa «Pange lingua» de Josquin) estudiados con anterioridad.

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Josquin – Chanson «Mille regretz» (análisis)

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La inmensa popularidad de la canción polifónica «Mille regretz» a lo largo del siglo XVI no ha impedido despejar todas las dudas sobre su autoría y origen. Nada se sabe de su fecha de composición, y sobre su autoría nos basamos en la atribución a Josquin en una tablatura de 1538 de Luis de Narváez (en la que se refiere a ella como «Canción del emperador», por ser la favorita de Carlos I de España), además del cancionero publicado por Tielman Susato en 1544.

En este artículo analizaremos esta canción, estudiándola desde el punto de vista retórico, paradigma cultural que ejercerá una enorme influencia en las artes musicales durante los siglos venideros, y que encontró precisamente en Josquin a su pionero más sobresaliente.

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Josquin – Misa Pange lingua – Kyrie (análisis)

Josquin - Missa Pange lingua - Ensemble Organum

La Missa Pange lingua [ca.1515] del compositor flamenco Josquin Desprez, no solo puede considerarse el testamento musical del autor -fue la última de sus 16 misas-, sino también uno de los ejemplos más célebres de la técnica de composición denominada «paráfrasis«. Esta técnica construye el tejido polifónico tomando como base una melodía preexistente. La melodía tomada como punto de partida en esta misa es el himno gregoriano «Pange lingua», que hemos analizado en esta entrada.

En este tercer artículo dedicado al Kyrie (la primera sección de la misa polifónica) estudiaremos la aplicación de esta técnica en la misa Pange lingua de Josquin, e indagaremos en la recepción y difusión de la obra a lo largo del siglo XVI.

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Dufay – Misa L’homme armé – Kyrie (análisis)

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«El hombre armado» es una de las melodías populares europeas más antiguas de la que tengamos noticia alguna. No nos es conocida de forma directa, sino a través de su empleo como soporte de numerosas composiciones polifónicas -las más antiguas firmadas por Robert Morton y Antoine Busnois– de segunda mitad del siglo XV y principios del XVI, entre las que se incluyen entre 40 y 50 misas completas.

En este artículo estudiaremos el Kyrie de la Missa L’homme armé [ca.1460] del compositor flamenco Guillaume Dufay, uno de los más bellos -y tempranos- ejemplos de misa basada en esta popular melodía.

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Tres obras para tecla sobre La Monica

Girolamo Frescobaldi

El asunto de la muchacha que no quiere ser monja (o de la monja que se lamenta de serlo) cuenta con una larga tradición literaria, musical e iconográfica que arranca desde la Edad Media y se prolongó durante todo el Renacimiento. En efecto, esta situación era bastante común en una época en la que los padres debían reunir una dote para poder casar a una hija. En estas circunstancias, si una familia no disponía de medios suficientes, el convento garantizaba el mantenimiento de la desafortunada y ofrecía una alternativa menos costosa (John Wendland, «Madre non mi far monaca»: The biography of a Renaissance Folksong, Acta Musicologica, 1976).

En este segundo artículo dedicado a La Monica, repasaremos algunas de sus primeras realizaciones instrumentales para tecla, a través de diversas fuentes neerlandesas, inglesas e italianas.

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