Un concertante belcantista: el sexteto de Lucia di Lammermoor

La ópera belcantista –entendida como la ópera italiana que abarca desde Rossini hasta el primer Verdi (primera mitad del siglo XIX)– basó su enorme éxito en gran medida en la explotación de una estructura músico-dramática especialmente efectiva: la escena multiseccional, o número musical dividido generalmente en dos secciones principales, una lenta y otra rápida.

En esta entrada estudiaremos el empleo de esta fórmula en uno de los títulos emblemáticos del belcantismo italiano, Lucia di Lammermoor [1835] de Gaetano Donizetti, y nos detendremos en el concertante del Acto II que contiene el célebre «sexteto», uno de los conjuntos más icónicos de la ópera romántica.

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Mendelssohn – Concierto para violín – 1. Allegro (análisis)

concierto de mendelssohn por kyung wha chung y charles dutoit

El concierto romántico constituye una evolución del concierto clásico, del cual mantiene -con algunas variantes- su estructura formal, con un primer movimiento en forma de concierto-sonata, un segundo tiempo lírico y un tercer movimiento en forma de rondó.

El Concierto para violín en Mi menor de Felix Mendelssohn es un ejemplo clave en la adaptación del formato clásico al romántico, tal como lo cultivarán compositores “clasicistas” como el propio Mendelssohn o Brahms. Su primer movimiento es una forma de concierto-sonata consagró algunas divergencias con respecto al modelo clásico que serían imitadas por los compositores posteriores.

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La interpretación chopiniana según Raoul Pugno

raoul_pugno_c-_1890Raoul Pugno, discípulo de Georges Mathias –a su vez discípulo de Chopin–, es autor de dos documentos con un valor excepcional desde el punto de vista del estudio histórico de la interpretación: en primer lugar, unas Leçons écrites publicadas en 1909, donde aporta instrucciones detalladas para la interpretación de un conjunto de obras chopinianas conforme a una tradición supuestamente auténtica, y el registro fonográfico (datado en 1903) del Nocturno op.15 nº2, obra incluida en dichas leçons.

Partiendo de estos documentos, esclareceremos el sentido de la fuente escrita (las leçons) con respecto a la fuente sonora y valoraremos en qué medida contribuye el documento escrito a esclarecer las intenciones interpretativas del autor (versión completa del artículo publicado en la revista digital AV Notas del Conservatorio Superior de Música “Andrés de Vandelvira” de Jaén).

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Feminismo y zarzuela (III): Reivindicación del rol femenino y conclusiones

Los dos artículos precedentes dedicados al estudio del rol femenino en la zarzuela han dado como resultado un panorama profundamente escindido en cuanto a la moral sexual. Por un lado, la zarzuela grande, como estandarte de una restrictiva moral en la que la mujer se muestra como heroica custodia de su virtud. Por otro, los diversos géneros frívolos –zarzuela bufa, género ínfimo, revista, etc.– que presentan a la mujer como un lúbrico objeto de deseo. Ambos, con toda clase de matices y excepciones.

En este artículo final, analizaremos algunas obras que abordan la moral sexual femenina fuera de estas coordenadas, e intentaremos esclarecer las causas del desarrollo de líneas tan polarizadas y excluyentes.

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Dedicatoria y género en el Trío con piano de Chaikovsky (Análisis)

Las dedicatorias constituyeron un elemento imprescindible y característico del Antiguo Régimen. Funcionaron como un símbolo del patronazgo artístico que cumplía una importante función propagandística hacia aquéllos que, con su soporte económico, hacían posible el cultivo de la cultura. Así, prácticamente todas las obras importantes de Beethoven están dedicadas a ilustres mecenas como el príncipe Lichnowsky, el príncipe Lobkowitz o el conde Razumovski, entre los más conocidos, aunque el mismo Beethoven abriría una decisiva brecha con su singular dedicatoria a Napoleón Bonaparte (posteriormente corregida como “para celebrar la memoria de un gran hombre”) que incidiría decisivamente en el contenido musical de su tercera sinfonía.

En este artículo trataremos la interferencia entre la dedicatoria y el género musical tomando como referencia una obra de cámara no menos singular: el Trío con piano en La menor de Piotr Ilich Chaikovsky.

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Chopin – Poesía y erotismo en el Nocturno op.15 nº2 (Análisis)

El nocturno constituye probablemente la forma de expresión más intimista y personal de Fréderic Chopin (1810-1849). Planteada como una pieza independiente de carácter lírico y contemplativo, a menudo estructurado en forma ternaria, el nocturno presenta unas características estilísticas muy peculiares que lo convierten en un ejemplo paradigmático de la poética musical que se elevó como uno de los estandartes del Romanticismo entre las décadas de 1830-40.

Iniciaremos una breve serie de artículos dedicados a una de estas obras, el Nocturno en Fa sostenido mayor, publicado dentro del op.15 en enero de 1834, con un análisis en el que nos centraremos en las connotaciones poéticas  (y eróticas) de la retórica musical romántica.

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Un Kyrie de Rossini (y varios fraudes musicológicos)

El “Adagio” de Albinoni [1], el “Ave Maria” de Caccini [2] o las piezas para violín de compositores antiguos –Boccherini, Porpora, Martini, Couperin o Pugnani, entre otros muchos– “desempolvadas” por el virtuoso Fritz Kreisler [3] a principios del siglo XX pertenecen a esa inefable categoría musical de obras apócrifas que han alcanzado una notabilísima proyección gracias al insospechado encaje entre el afán defraudador de sus autores y la afición del gran público por el kitsch de anticuario. Hasta el extremo de que algunas de ellas se hayan convertido para el aficionado poco informado –incluyendo a menudo a sus intérpretes– en la única obra conocida de “su” autor.

En este artículo trazaremos un breve recorrido histórico de estos fraudes musicológicos que se remonta a los orígenes de la musicología francesa moderna, y su imbricación con los movimientos románticos de renovación de la música litúrgica, entre los que podemos incluir la singular Pequeña Misa Solemne [1863] de Rossini.

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La música que todo el mundo debería conocer: el canon musical

El canon musical clásico –entendido como un repertorio musical legitimado en términos críticos e ideológicos en el contexto de la cultura occidental– ha condicionado nuestro conocimiento de la historia de la música a través de un círculo vicioso según el cual la musicología estudiaba preferentemente los autores y las obras consagradas, y a la vez estos autores y obras quedaban consagrados gracias a su estudio musicológico.

Ante este círculo vicioso, son muchos los representantes de la Nueva Musicología que han planteado la necesidad de indagar hasta qué punto autores como Bach, Beethoven o Schönberg –tres grandes puntales del canon occidental– ocupan una posición dominante por sus propios méritos, o también gracias a un complejo sistema de construcción del conocimiento histórico que, entre otros defectos, ha demostrado un desconocimiento o manifestado un notable desinterés por el 99% de la música restante producida en sus respectivos periodos. O que ha sido codificado partiendo de unas perspectivas históricas limitadas en cuanto a la metodología o sesgadas en cuanto a la ideología (generalmente, nacionalista).

En este artículo haremos honor a las premisas enunciadas en la Introducción a nuestra Historia de la Música indagando acerca de la historia de la construcción de los cánones musicales (como una lista de estilos, obras y autores) así como de sus premisas y motivaciones, indagando espacios dentro y fuera del ámbito ‘clásico’.

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Feminismo y zarzuela (I): La mujer en la zarzuela

La ópera -como el teatro, o el cine- ha constituido, a lo largo de varios siglos, un fiel registro de las inquietudes de cada época, así como un reflejo en forma de arquetipo de las relaciones entre clases sociales y géneros. La primacía absoluta de las divas y las prime donne en la ópera romántica, o de las primeras tiples y las vedettes en la zarzuela y otros espectáculos anejos, eclipsa a menudo el desigual reparto de roles (con desventaja para ellas) subyacente entre los géneros masculino y femenino, tanto desde el punto de vista social como el puramente dramático.

En este primer artículo -de una serie de tres- iniciaremos un recorrido por el teatro musical español de la segunda mitad del siglo XIX y las primeras décadas del XX a través del rol de la mujer, en el que realizaremos una primera caracterización del rol de la mujer y la moral sexual en la zarzuela, tomando para ello como referencia el reflejo de estos mismos aspectos en otras formas de teatro musical europeas del mismo periodo.

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Las obras musicales más largas de la historia

aburrimientoBostezos y ronquidos constituyen – junto con estornudos y politonos de móvil– un elemento sonoro inseparable del musical en salas de concierto y coliseos operísticos del siglo XXI (al menos, de los españoles).

En este artículo -publicado en 2010 en la revista Audioclásica con el título “Una brizna de eternidad”- evitaremos, por una vez, condenar la felonía estética de nuestros ruidosos e insensibles compañeros de asiento para dirigir el dedo acusador hacia aquellas obras que, desafiando los límites de la paciencia humana, aspiran a alcanzar una brizna de eternidad.

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