siglo xx

La música de tradición escrita en la era de las nuevas tecnologías y la crisis de la cultura burguesa tras la I Guerra Mundial y la Revolución bolchevique hasta nuestros días.

Empleo del “double-time feel” en “My funny Valentine” de Miles Davis (1956)

davis_cookinEl double-time feel (DTF) es un recurso rítmico consistente en generar una sensación subjetiva de aceleración del tempo que ha sido empleado en el ámbito de distintas músicas urbanas del siglo XX (jazz, rock, pop, especialmente).

Como continuación de nuestro artículo dedicado a la canción “My funny Valentine”, analizaremos en esta ocasión la aplicación de este efecto rítmico en un registro de este standard firmado por el Miles Davis Quintet, con el propósito de indagar en sus repercusiones formales y estéticas.

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Richard Rodgers – “My funny Valentine” (Análisis)

babes_in_arms_logoEl musical estadounidense se enmarca en una tendencia más global de diversificación de los formatos de teatro musical iniciado durante la segunda mitad del siglo XIX. Tras unos inicios turbulentos y artísticamente poco prometedores, el género alcanzó durante los años 1920 una edad de oro que, gracias a su alianza con el cine sonoro, propulsó su difusión a escala planetaria hasta los años 50.

En este primer artículo dedicado al musical indagaremos en sus orígenes y estudiaremos uno de los números musicales más célebres de su edad de oro, “My funny Valentine” del musical Babes in arms [1937] de Richard Rodgers y Lorenz Hart.

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Las obras musicales más largas de la historia

aburrimientoBostezos y ronquidos constituyen – junto con estornudos y politonos de móvil– un elemento sonoro inseparable del musical en salas de concierto y coliseos operísticos del siglo XXI (al menos, de los españoles).

En este artículo -publicado en 2010 en la revista Audioclásica con el título “Una brizna de eternidad”- evitaremos, por una vez, condenar la felonía estética de nuestros ruidosos e insensibles compañeros de asiento para dirigir el dedo acusador hacia aquellas obras que, desafiando los límites de la paciencia humana, aspiran a alcanzar una brizna de eternidad.

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Harvey – Mortuos Plango, Vivos Voco

harvey_cd_mortuos_plangoEn este segundo artículo de la serie dedicada a la serie de seis programas televisivos titulados XXe siecle (Siglo XX), producidos entre los años 1987-88, y conducidos por Pierre Boulez, trataremos un tipo de música que entra de lleno en los que hemos denominado la Tercera edad de la música (o era del sonido).

Se trata de la composición electrónica Mortuos Plango Vivos Voco [1980] del británico Jonathan Harvey, una pieza clave en este ámbito, pero que es también significativa desde el punto de vista de la corriente compositiva conocida como espectralismo,

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Feldman – Rothko Chapel

feldman_rothkoLa Capilla Rothko de Houston, junto con la obra Rothko Chapel del compositor estadounidense Morton Feldman, conforman una de las asociaciones entre música y arquitectura más emblemáticas del pasado siglo, sólo igualada en representatividad por las aportaciones musicales de Xenakis y Varèse en relación con el Pabellón Philips de Bruselas [1958].

Estrenada poco después de la trágica muerte del pintor Mark Rothko -impulsor de la capilla y amigo del compositor-, Rothko Chapel fue concebida y estrenada en este mismo espacio como un homenaje al artista, y puede considerarse también como una suerte de réquiem, no adscrito a credo alguno, pero rebosante de emoción y espiritualidad.

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Schönberg – Un superviviente de Varsovia

survivor_LPEscrita durante su exilio californiano, y estrenada en Albuquerque (Nuevo México) el 4 de noviembre de 1948, A survivor from Warsaw (Un superviviente de Varsovia), para narrador, coro masculino y orquesta, es una de las obras más singulares e impactantes de Arnold Schönberg.

La obra pone en música el testimonio de un superviviente del gueto de Varsovia, masacrado por los nazis en 1943 en uno de los episodios más cruentos del Holocausto. De apenas seis minutos de duración, Un superviviente de Varsovia alcanzó un éxito desacostumbrado en obras dodecafónicas, erigiéndose en poco tiempo como un referente ético de las vanguardias del siglo XX.

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Música para héroes (II). Revolución y tiranía en el siglo XIX

siegfried_rackhamEn esta segunda entrega de la serie de artículos que completan y complementan la conferencia Música para héroes. De Wagner a John Williams, pronunciada en el Museo Cerralbo de Madrid el 21 de abril de 2016, trataremos la figura del héroe en el Romanticismo.

El siglo de las Revoluciones acuñó un arquetipo de héroe libertador que ocupó un puesto destacado en las artes y en la música de su tiempo. Esta figura refleja como pocas las profundas contradicciones del Romanticismo -sus aspiraciones libertarias y humanitarias por un lado, y su rigidez moral y su mesianismo, por otro-, y anticipa algunos de los vectores más atroces de la política del siglo XX.

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Berg – “Schlafend trägt man mich”

Berg - LiederCuando Arnold Schönberg decidió abandonar la tonalidad, a partir del año 1908, sus discípulos Alban Berg y Anton Webern decidieron acompañar a su maestro en su prometedora, aunque incierta, aventura. Mientras Webern se aventuró pronto con un lenguaje altamente abstracto y alejado de las referencias tonales (por ejemplo, en sus Piezas para cuarteto de cuerda op.5), Berg despegó de la tonalidad de forma más suave y apegada a las formas y el estilo romántico.

Continuando nuestra serie de artículos dedicada al lied, en esta entrada analizaremos la segunda de sus Cuatro canciones op.2, “Schlafend trägt man mich”, compuesta entre 1909 y 1910.

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Aristide Cavaillé-Coll y el órgano romántico francés

st_sulpice_organPocos constructores de instrumentos pueden vanagloriarse de haber alcanzado en la historia de la música una fama comparable a la de los más grandes compositores e intérpretes, o cuyos instrumentos sean reverenciados con mayor intensidad con el paso de los años.

Si Antonio Stradivarius constituye para el violín el arquetipo más conocido, el órgano cuenta con un constructor de talla similar en la figura de Aristide Cavaillé-Coll (1811-1899).

Aprovecharemos este homenaje a este gran maestro organero para repasar también un legado musical apasionante, aunque desconocido para muchos aficionados: el del órgano romántico francés.

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Una breve historia de la música zíngara

ciganyzenekarPor música zíngara entendemos la música de los gitanos de Hungría y algunas regiones limítrofes. Caracterizada por un inconfundible exotismo (debido en gran medida a la “escala húngara” tan a menudo citada en los manuales de música) y por un endiablado virtuosismo instrumental, la música zíngara ha constituido desde sus orígenes un territorio dominado por violinistas que llevaron su instrumento al límite de sus posibilidades, causando la admiración de cuantos pudieron disfrutar de su arte.

Así, si Franz Liszt alabó el arte incomparable de János Bihari (1764-1827), Jascha Heifetz declaró a Grigoras Dinicu (1889-1949) el mejor violinista del mundo, mientras otro gran violinista del siglo XX, el británico Yehudi Menuhin, acudió siempre que pudo al club de Bruselas donde actuó durante años su admirado Roby Lakatos (1965).

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