El desarrollo del mercado editorial musical vinculado a la música de cámara, unido éxito del concierto público como medio de difusión de la música orquestal tuvieron como resultado la formación de una serie de estilos que los contemporáneos denominaron «galante» o «sentimental» (Empfindsamer stil) pero que sería rebautizado en el siglo XIX como «Clasicismo». Este estilo reflejaba el gusto y la pujanza de las clases medias urbanas –burguesía– frente a los de las clases dominantes, encarnados por la ópera seria (aristocracia) y la música sacra (Iglesia), respectivamente. y era portador de nuevos valores.
En esta unidad estudiaremos dichos códigos, que cristalizarán en las denominadas formas de sonata y que constituyen –junto a la fuga– uno de los dos grandes paradigmas formales de la tradición clásica occidental.
El estilo y los valores del clasicismo musical
El estilo musical clásico se forjó a partir de los valores que la burguesía ilustrada enarboló frente al sistema de valores aristocrático. Así, frente a los estilos barrocos tardíos, fuertemente marcados por su origen nacional, el estilo clásico exhibió un notable internacionalismo, convirtiéndose en una especie de lingua franca musical de ámbito europeo.
Además, frente a la expresividad mecanicista y sustentada en las academias y los principios de autoridad, el estilo clásico canalizó una nueva forma de expresión más intimista y libre, apoyada básicamente en el gusto y el sentimiento. La posibilidad de crear matices gracias a instrumentos como el fortepiano -que sucederá al clavecín como centro del espacio musical doméstico- sustituyó a la dificultad técnica y la exuberancia en la ornamentación característicos del Barroco como principal recurso expresivo del Clasicismo.
En esta misma línea, el estilo clásico reaccionó a las complejidades de la fuga, el contrapunto y el bajo continuo en favor de un discurso transparente e inteligible, pero a la vez portador de sentimiento y drama. Los códigos de este nuevo lenguaje se vieron reforzados gracias a su expansión a todos los ámbitos musicales del siglo XVIII, partiendo como sabemos de la música de cámara y sinfónica y extendiéndose a ámbitos más alejados como el concierto o incluso la música sacra.
Las formas clásicas derivaron de las barrocas a través de un complejo proceso de selección natural y adaptación a los nuevos gustos, basados por un lado en la claridad y sencillez. Este proceso tuvo lugar en dos grandes fases, caracterizadas por la radical simplificación de texturas y armonía (entre 1730 y 1765), y otra en la que las nuevas texturas y formas fueron incrementando su complejidad y sus proporciones.
Las formas clásicas parten de la utilización de elementos melódicos y armónicos relativamente simples en comparación con el estilo Barroco. Su densidad motívica y armónica es menor, y además las frases musicales se benefician de una mayor regularidad y «previsibilidad». Frente a estas tendencias simplificadoras, el Clasicismo puso énfasis en la estructura musical; esto es, en cómo disponer un conjunto de temas musicales de modo que resulte un discurso musical coherente, variado y capaz de generar interés y tensión.
La Europa de las modas musicales
Como producto de entretenimiento dirigido al público burgués y aristocrático, la música del clasicismo se vio afectada por diversas modas, algunas muy recurrentes o persistentes a lo largo de las décadas. Entre ellos destaca el Sturm und Drang, corriente preromántica que afectó a todas las artes pero cuya traducción musical y escénica (a través del ballet o del melólogo) estuvo centrada en los países de habla alemana. Este movimiento se desarrolló en varias oleadas y alcanzó su punto álgido musical alrededor de 1780.
Entre las modas de carácter nacional, dos de las dos más destacadas fueron la española y la turca. La primera tuvo en el fandango su género más característico e internacional, en el que es uno de los reflejos más antiguos del arte musical preflamenco. Las modas turcas se produjeron en oleadas sucesivas ya desde el siglo XVII, alimentadas por la amenaza militar del Imperio Otomano en el borde oriental del Imperio Austríaco.
El Sturm und Drang. Este estilo encontró en el modo menor y los gestos angulosos y contrastantes una seña de identidad frente al predominio del modo mayor y las líneas cantables en las corrientes principales de la época.
El fandango en la música del siglo XVIII. Esta danza popular en ritmo ternario de popularizó en la corte española del siglo XVIII y conquistó posteriormente los salones europeos y hispanoamericanos (LEER MÁS).
La moda turca en la música del siglo XVIII. La música militar jenízara constituyó el origen de las bandas militares europeas y una inspiración duradera para los compositores centroeuropeos del siglo XVIII (LEER MÁS).
Christoff Willibald Gluck – Don Juan – 31. Descenso de Don Juan a los infiernos [1761].
Luigi Boccherini – Quinteto «La musica nocturna de las calles de Madrid», op.30, nº6 – 5. Pasacalle [ca. 1780].
Wolfgang Amadeus Mozart – Sonata en La mayor K.331 – 3er mov. Rondó Alla turca [ca. 1780].
Las formas y los géneros clásicos
Por forma musical se entiende la estructura (segmentación y disposición de las partes) de una obra musical cerrada y autosuficiente. Este concepto no se aplica normalmente a obras multiseccionales como una ópera o una sinfonía, sino de cada una de sus partes separables, como un aria o un movimiento de sinfonía, concierto o sonata.
Las obras multiseccionales del Clasicismo (como sinfonías, serenatas, divertimentos, música de cámara o sonatas) suelen disponer sus movimientos adoptando las siguientes formas musicales:
- Primer movimiento. Generalmente en forma de sonata.
- Segundo movimiento. Generalmente una forma lied (ABA), tema y variaciones, o forma de sonata sin desarrollo (o con desarrollo breve).
- Tercer movimiento. Forma de minueto (o scherzo). Este movimiento suele excluirse en obras en tres movimientos. En las serenatas y divertimentos puede haber varios minuetos o scherzos.
- Cuarto movimiento. Generalmente rondó, forma de sonata, o rondó-sonata.
Mientras la forma se refiere a la estructura de una obra musical, el género se refiere sencillamente a su denominación. En el periodo clásico, muchos géneros distintos adoptaron un número relativamente limitado de formas musicales. Así, una sinfonía, una serenata, un divertimento, una sonata para piano o un cuarteto de cuerda son géneros distintos, pero están compuestos por un número similar de movimientos con formas similares, como la forma de sonata, las variaciones o el rondó.
La denominación de los géneros clásicos depende, en algunos casos, de la formación a la que está destinada (cuarteto de cuerda, trío con piano, etc.). En muchos otros casos, la denominación depende de su uso social: algunas serenatas o divertimentos están escritos para una formación de cuarteto de cuerda, sin embargo la serenata y el divertimento se distinguen del cuarteto de cuerda en que son música escrita para amenizar diversos actos o ser interpretadas al aire libre –están escritas para músicos que tocan para sus patronos– mientras que un cuarteto de cuerda está destinado a instrumentistas aficionados y a su uso doméstico.
Las formas clásicas: las variaciones, el minueto, el rondó…
El concierto solista es quizá el género barroco que ha subsistido con mayor éxito a lo largo de distintas épocas y estilos. La razón de ello ha sido la necesidad de los virtuosos en toda época de desplegar de la forma más eficaz posible sus posibilidades musicales y técnicas. El primer movimiento de concierto solista clásico adopta por lo común una forma de sonata con doble exposición: Una abreviada a cargo de la orquesta -que emula así al ritornello inicial del concierto barroco- y otra completa a cargo del solista. La otra peculiaridad de la forma de sonata de concierto es la inserción de una cadenza -solo improvisado- en la Recapitulación antes del grupo cadencial final.
El trío con piano (violín, violonchelo y piano) proviene de la tradición doméstica dieciochesca de doblar los bajos de las sonatas con el violonchelo. Con el tiempo se ha convertido una de las formaciones de cámara más emblemáticas, solo por detrás del cuarteto de cuerda. El movimiento final del Trío con piano nº 39 de Haydn tiene forma de rondó (A B A C A Coda). El tema A tiene forma lied (||: a :||: b + a’ :||) y los temas B y C se inspiran en el verbunkos, danza húngara interpretada por bandas gitanas.
El minueto es una danza en compás de 3/4. El minueto clásico es habitualmente tripartito (A B A’) en el que A y B son sendas formas lied (||: a :||: b + a’ :||) y en el que A’ se toca sin repeticiones. El minueto suele ser el tercer movimiento de las sinfonías y los cuartetos de cuerda.
Wolfgang Amadeus Mozart – Concierto para violín y orquesta núm. 3 en Sol mayor, 1. Allegro K. 216 [1775]. El movimiento inicial de los conciertos clásicos suele ser una forma híbrida entre la forma sonata y el concierto con ritornelos (LEER MÁS).
Franz Joseph Haydn – Trío con piano nº 39 «Gitano»– 3. Rondó «gitano». [1795]. El movimiento final de este trío con piano es una forma rondó con temas de inspiración zíngara (LEER MÁS).
Ludwig van Beethoven – Septeto en Mi bemol mayor op.20 – 3er mov. Tempo di minuetto [1802]. El minueto es una forma de danza en ritmo ternario. El carácter de este movimiento suele ser ligero y desenfadado (LEER MÁS).
Wolfgang Amadeus Mozart – Concierto para violín y orquesta núm. 3 en Sol mayor, 1. Allegro K. 216 [1775].
Franz Joseph Haydn – Trío con piano nº 39 «Gitano»– 3. Rondó «gitano». [1795]
Ludwig van Beethoven – Septeto en Mi bemol mayor op.20 – 3. Tempo di minuetto [1802].
Transformaciones en el gusto musical tras la Revolución francesa
La Revolución francesa (1789-1799) y la transmisión de la inestabilidad política y de los ideales revolucionarios a través de las guerras revolucionarias (1792-1802) y las guerras napoleónicas (1804-1815) sacudieron los sistemas de valores dominantes en toda Europa que conllevaron importantes transformaciones en los gustos musicales. La vida concertística presenció un acelerado declive de la sinfonía: al mismo tiempo que decaía bruscamente su producción, cobraron relieve modalidades como la sinfonía «característica» y la sinfonía concertante. La primera es un tipo de sinfonía con elementos descriptivos –en muchos casos, militares–, la segunda, una modalidad con instrumentos solistas. Los géneros sinfónico-corales también ganaron peso en la vida concertística. El declive de la sinfonía –en términos de nueva creación– coincidió con el inicio de la canonización de los clásicos vieneses –Haydn y Mozart– en las salas de concierto, tanto en Viena como en París, extendiéndose después al resto de Europa. Algún tiempo después, las sinfonías beethovenianas –estrenadas entre los años 1800 y 1824– se sumaron a este canon gracias a su individualidad y ambición, pero también por reflejar la violencia del momento histórico.
La música doméstica y teatral también acusaron este cambio de ciclo. El comienzo del siglo XIX vivió la emergencia de la canción con piano –lied, en el caso de la canción alemana– y de los géneros «nacionales», en forma de música vocal o instrumental de inspiración popular o folclórica. En el ámbito teatral, la ópera seria aceleró su ya inocultable decadencia, iniciando un lento proceso de renovación del que nacería la ópera romántica, gracias principalmente a las innovaciones practicadas por Cherubini y Spontini en la Francia republicana, y por Rossini en el ámbito más cosmopolita de la ópera italiana.
…y la forma de sonata
La forma sonata es la más sofisticada y flexible de las formas clásicas. Su potencial dramático (o retórico, si se prefiere) fue explotado de forma creciente por los grandes compositores del Clasicismo vienés –Haydn, Mozart y Beethoven– en su música de cámara y sinfonías. Tomando como ejemplo algunas de estas obras, escritores seminales del Romanticismo como E. T. A. Hoffmann, Wackenroder o Heinrich Heine contribuyeron a elevar el prestigio de la música como un arte/lenguaje autónomo, capaz de transmitir ideas o emociones que el lenguaje común no es capaz de expresar.
En esta senda, la obra de Beethoven y, en particular, las más representativas del denominado «estilo heroico», contribuirán a forjar el prototipo romántico de compositor, una figura que reflejará de forma idealizada el cambio de estatus social y económico del compositor tras el colapso del Antiguo Régimen: en efecto, estas transformaciones sociales repercutirán en el compositor dejará de ser un empleado de un aristócrata (o de la Iglesia) y deberá hacerse valer en un medio más descentralizado y competitivo sujeto al arbitrio de la nueva burguesía.
Para más información puedes consultar los artículos Introducción a la forma sonata.
Wolfgang Amadeus Mozart – Sinfonía nº41 en Do mayor «Júpiter» K.551, 1. Allegro vivace [1788]. La última sinfonía de Mozart emplea trompetas y timbales, instrumentos tradicionalmente ligados a la esfera militar (LEER MÁS).
Franz Joseph Haydn – Sinfonía nº94 en Sol mayor «La sorpresa», 1. Adagio. Vivace assai [1791]. Este primer movimiento es una forma sonata con introducción lenta. Su sobrenombre se debe a un efecto que tiene lugar durante el segundo movimiento (LEER MÁS).
Ludwig van Beethoven – Sinfonía nº3 en Mi bemol mayor «Heroica» op.55, 1. Allegro con brio [1805]. El primer movimiento de esta obra es la forma de sonata más extensa compuesta hasta la fecha. Cuenta con un imponente Desarrollo y una extensa Coda (LEER MÁS).
Wolfgang Amadeus Mozart – Sinfonía nº41 en Do mayor «Júpiter» K.551, 1. Allegro vivace [1788].
Franz Joseph Haydn – Sinfonía nº94 en Sol mayor «La sorpresa», 1. Adagio. Vivace assai [1791].
Ludwig van Beethoven – Sinfonía nº3 en Mi bemol mayor «Heroica» op.55, 1. Allegro con brio [1805].
HISTORIA DE LA MÚSICA 
En el Clasicismo, las principales características de la música de este periodo las marca la Burguesía con unos valores más internacionalistas. En esta época la gente buscaba música muy sencilla pero que a su vez transmitiera mucho. Para Hacer esta labor más sencilla se crean los matices “fuerte” y “piano”, que dotaran a las canciones de mayor expresividad. También, con la prácticamente desaparición del bajo continuo, la música es mucho más clara y sencilla de escuchar.
Durante el Clasicismo surgieron nuevos géneros como la sinfonía, serenata, divertimentos, sonatas, etc… Todos ellos se diferenciaban por la formación instrumental. Entre los géneros clásicos se diferenciaban el uso de las serenatas o el uso de divertimentos formados por cuartetos de cuerdas.
Las obras multiseccionales constaban de un primer movimiento en forma de sonata, un segundo movimiento en forma de tema y variaciones o en forma de sonata, un tercer movimiento que podía ser un Minueto o un Scherzo y un cuarto movimiento en forma de rondó, sonata, o rondó-sonata.
En esta época surgen las modas musicales. El Sturm und Drang apareció en Alemania y fue la más importante, su corriente prerromántica influyó en el resto de artes. Mozart fue el más destacado.
Una de las modas de carácter nacional más destacadas fue la española con el fandango como género más popular y que sirvió de base para el flamenco. Esta danza se popularizó en la corte española del siglo XVIII y se fue extendiendo al resto de Europa y Sudamérica.
Hubo varias oleadas de modas turcas a partir del siglo XVII debido a la tensión que había entre el Imperio Otomano y el Imperio Austríaco.
Una de las obras más curiosas e interesantes del momento, fue el concierto para piano y orquesta de Mozart n17 K453. Aquí se demuestra la genialidad de este compositor ya que en el tema principal de la obra la melodía proviene de un pájaro que Mozart escuchó y utilizó para hacer este concierto. Esta obra está en Sol Mayor y en el tercer movimiento se producen seis variaciones.
El género más importante del Clasicismo fue la sonata,forma musical que deriva de unas ya cultivadas en el Barroco, como la forma de danza, que viene de la suite o el aria da capo.
Una sonata clásica suele constar de una introducción más lenta, una exposición con diferentes temas y transiciones, un desarrollo que añade nuevos temas y motivos, una recapitulación que vuelve a los temas de la exposición y una coda, que dota de mayor carácter al final.
La música del Clasicismo se ajustaba a los valores que la burguesía como clase social que estaba ganando cada vez más poder había impuesto. Estos valores son:
– Internacionalismo. Las obras compuestas en cada país presentaban numerosas similitudes que dificultaban la identificación del país de origen de las mismas.
– Sentimiento. El estilo clásico busca una mayor libertad de expresión. Esto hace que el fortepiano consiga un mayor protagonismo ya que a diferencia del clavecín permitía crear matices.
– Inteligibilidad. Las obras que triunfarían son aquellas que resultan sencillas y claras para los intérpretes. Como habíamos visto en la unidad anterior, la música se comienza a crear teniendo en cuenta que la mayoría de los intérpretes o tienen profundos conocimientos de música por lo que a la hora de componer primarán la sencillez y la claridad.
Formas clásicas:
La forma musical hace referencia a la estructuración de una obra musical. Las formas clásicas eran una derivación de las barrocas. Fueron evolucionando según los gustos y preferencias de la sociedad.
En las formas clásicas prima el uso de elementos armónicos y rítmicos simples, pero la mayor novedad de estas formas se produjo en la estructura de las obras. Las obras del Clasicismo como las sinfonías y serenatas se estructuraban de la siguiente manera :
– Primer movimiento: forma sonata (fue la forma más utilizada durante el Clasicismo)
– Segundo movimiento: tema con variaciones o forma de sonata sin desarrollo
– Tercer movimiento: minueto o scherzo
– Cuarto movimiento: rondó, forma sonata o rondó-sonata.
La forma clásica más popular y más utilizada fue la forma sonata. Esta forma consta de una introducción que presenta el tema principal en la tonalidad principal de la obra, una exposición en la cual se desarrollan nuevos temas, el desarrollo en el cual se combinan temas de la exposición y temas nuevos, una recapitulación en la que se vuelven a desarrollar los temas de la exposición y por último consta de una coda que ayuda a que el final sea más rotundo
La música del Clasicismo estuvo influenciada por las diversas modas que surgieron en Europa. Destacan principalmente tres modas:
– Sturm und Drang. Se cultivó principalmente en los países germánicos y se considera una corriente prerromántica.
– Fandango. Es un estilo propio de España y es un reflejo del arte musical preflamenco.
– Moda turca. El Imperio otomano estaba en su máximo esplendor. Se hizo muy popular la música militar turca.
Géneros:
Entre los géneros principales del Clasicismo encontramos la sinfonía, la serenata, los divertimentos o los cuartetos de cuerda.
Cada género tenía un uso social determinado. Se podía distinguir entre aquellos que están creados para los aficionados (música de cámara) y aquella hecha para que los sirvientes amenizasen diversos actos (serenatas y divertimentos).
El cuarteto de cuerda nació como un género de ámbito doméstico El cuarteto clásico consta de cuatro movimientos: allegro en forma de sonata, movimiento lento de carácter lírico, minueto y presto, normalmente en forma de rondó o sonata. Entre los cuartetos de cuerda destaca el cuarteto de cuerda op 33 de Haydn.
El concierto solista fue el género que tuvo mayor éxisto y el que más perduró a lo largo de las épocas. El primer movimiento de concierto solista clásico adopta por lo común una forma de sonata con doble exposición.La otra peculiaridad de la forma de sonata de concierto es la inserción de una cadenza en la Recapitulación antes del grupo cadencial final. Entre los conciertos solistas destaca el concierto para piano y orquesta nº17 de Mozart. El tercer movimiento de este concierto consta de 6 variaciones.
La serenata nació como un género apto para la amenización de veladas. Las serenatas para vientos fueron utilizadas para cenas importantes. Suelen constar de entre cuatro y ocho movimientos de carácter ligero.
En primer lugar, el clasicismo se encuentra situado entre los años 1750 y 1820 aproximadamente. Fue un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza. La burguesía será el público principal de este movimiento. En este nuevo estilo la música dejó de verse encerrada en iglesias o palacios y pudo verse en casas privadas de burgueses y espectáculos públicos. Los compositores de este periodo orientan su música a un equilibrio basado en la proporción, orden, claridad y sencillez, por lo tanto, podríamos decir que la música de esta época es refinada, elegante y equilibrada. Cabe destacar a los compositores más importantes de este estilo: W. A. Mozart, Beethoven y Haydn.
Esta música se centró principalmente en transmitir tres valores:
-Internacionalismo: mientras el estilo barroco tenía un origen nacional, el clasicismo se convertirá en una lengua vehicular, es decir, una lengua común que se pueda entender entre personas que no compartan la misma lengua materna, esta se extenderá en Europa.
-Sentimiento: teniendo el barroco como una música objetiva, en el estilo clásico veremos una música subjetiva más intimista y apoyada en el sentimiento gracias al pianoforte (evolución del clave), este permitía la realización de matices y así poder ponerles más sentimiento y carácter a las melodías.
-Inteligibilidad: al contrario que la música barroca este estilo pasó a una mayor sencillez musical, pero con mayor sentimiento como ya he mencionado dicho antes.
Sobre las formas clásicas, estas llegaron a través de la selección natural del estilo barroco, con adaptación de nuevos gustos y expresión de sentimientos, todo a través de instrumentos. Para llegar a la forma clásica definitiva se ha tenido que pasar por un proceso, primero de simplificación de estructuras de armonía, y luego de nuevas texturas y aumentar la complejidad, también modificando proporciones.
En el clasicismo, para llegar a un discurso musical logrado se partía de elementos melódicos y armónicos bastante simples, también se seguía una estructura común de cuatro movimientos en las obras multiseccionales para que resultase variado, coherente, interesante y con tensión.
La estructura es la siguiente:
-Primer movimiento: Forma de sonata
-Segundo movimiento: Tema y variaciones, o forma de sonata sin desarrollo, y si hay desarrollo, sería breve
-Tercer movimiento: Minueto o Scherzo
-Cuarto movimiento: Rondó, forma de sonata, o rondó-sonata
Como es de imaginar este estilo cuenta con varios géneros, es decir varias denominaciones a la hora de hacer música. Estas denominaciones se basan en varios aspectos, ya sea por su formación (trío, cuarteto, quinteto) o bien por su uso social, algunos son: sinfonía, serenata, divertimento, una sonata para piano o un cuarteto de cuerda. Todos estos suelen tener el mismo número de movimientos y una forma parecida, por lo que se asemejan bastante entre ellos en ese aspecto.
De todos estos géneros, la forma sonata es el más importante y relevante del clasicismo. Cabe destacar que no hay una única forma de sonata declarada, hay variaciones ya que vienen todas evolucionando del Barroco. Los rasgos más importantes de este género son la tensión dramática que desprende y la variación de materiales temáticos.
Este género también sigue una estructura, a modo de resumen contiene las siguientes secciones en su estructura: Introducción, Exposición (Sección A y Sección B), Desarrollo, Recapitulación y Coda.
Por último, respecto a las variaciones del concierto para piano y orquesta nº 17 K.453 de Wolfang Amadeus Mozart comentamos las 6 variaciones identificadas:
-Primera variación: Se introduce el piano con el tema y la cuerda
-Segunda variación: En esta el interprete muestra su virtuosismo con una respuesta por parte de los instrumentos de viento
-Tercera variación: Aquí tenemos una constante pregunta y respuesta interpretada por vientos y cuerda, aunque los vientos adquieren mayor protagonismo en esta
-Cuarta variación: es la más calmada de todas, pero con más sentimiento
-Quinta variación: Al contrario que la anterior esta es la más energética con toda la orquesta y volviendo a mostrar el virtuosismo del piano
-Sexta variación: en esta hay preguntas y respuestas entre el piano y la orquesta, con gran energía también, para finalizar concluye con una coda.
Por último, solo decir que este tema es de los que más interesante y atractivo me ha resultado.
Tras haber escuchado varias veces el tercer movimiento del Concierto para piano y orquesta nº17 K.453 puedo establecer un total de cinco variaciones del tema principal más una sección final en el presto donde se desarrollan todos los motivos aparecidos antes:
– El tema es introducido por la orquesta y forma un total de [:8 + 8:] compases que se repiten, o sea, 32 compases.
– La primera variación; empieza el piano y continúan los violines.
– Segunda variación; piano viento madera y después se añade la cuerda.
– Tercera variación; empiezan los instrumentos de viento madera, después el piano con la orquesta.
– Cuarta variación; modula a modo menor, disminuye su intensidad y su velocidad, empiezan la orquesta y las flautas. Después se suma solo el piano, seguido de la orquesta con el fagot.
– Quinta variación; se vuelve al tema en modo mayor y con más intensidad, interpretada por la cuerda y el viento. Posteriormente, el piano repite ese tema solo para finalmente ser respondido por la orquesta.
Finalmente a modo de coda, el piano realiza una cadencia que conduce hacia el final junto con la orquesta en el presto.
Por otro lado, destacar la diferencia entre los divertimentos, serenatas y cuartetos de cuerda dependa de quién los vaya a interpretar. Si se interpretan divertimentos o serenatas lo hacen los criados músicos, por el contrario, si lo interpretan miembros de una familia burguesa o músicos profesionales asalariados son cuartetos de cuerda.