canción

Richard Rodgers – “My funny Valentine” (Análisis)

babes_in_arms_logoEl musical estadounidense se enmarca en una tendencia más global de diversificación de los formatos de teatro musical iniciado durante la segunda mitad del siglo XIX. Tras unos inicios turbulentos y artísticamente poco prometedores, el género alcanzó durante los años 1920 una edad de oro que, gracias a su alianza con el cine sonoro, propulsó su difusión a escala planetaria hasta los años 50.

En este primer artículo dedicado al musical indagaremos en sus orígenes y estudiaremos uno de los números musicales más célebres de su edad de oro, “My funny Valentine” del musical Babes in arms [1937] de Richard Rodgers y Lorenz Hart.

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Berg – “Schlafend trägt man mich”

Berg - LiederCuando Arnold Schönberg decidió abandonar la tonalidad, a partir del año 1908, sus discípulos Alban Berg y Anton Webern decidieron acompañar a su maestro en su prometedora, aunque incierta, aventura. Mientras Webern se aventuró pronto con un lenguaje altamente abstracto y alejado de las referencias tonales (por ejemplo, en sus Piezas para cuarteto de cuerda op.5), Berg despegó de la tonalidad de forma más suave y apegada a las formas y el estilo romántico.

Continuando nuestra serie de artículos dedicada al lied, en esta entrada analizaremos la segunda de sus Cuatro canciones op.2, “Schlafend trägt man mich”, compuesta entre 1909 y 1910.

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Franz Schubert – “Mein!” de La bella molinera (Análisis)

mullerin_kaufmannLa bella molinera [1824] de Franz Schubert es un ciclo de lieder compuesto por 20 canciones con acompañamiento de piano. El lied -género vocal dirigido a cantantes aficionados- alcanzó una inmensa popularidad en los países germánicos a partir de la última década del siglo XVIII, hasta convertirse en la década de 1820 en la principal vía de penetración de la sensibilidad romántica en la música alemana.

En este segundo artículo dedicado a este ciclo analizaremos su decimocuarta canción -“Mein!” (“¡Mía!”), rastreando sus orígenes en un curioso formato de la época, el liederspiel.

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Henry Purcell – “How blest are shepherds” [1691] (Análisis)

king_arthur_dellerLa inestabilidad social y política del siglo XVII inglés y su repercusión en las artes escénicas –clausura de los teatros durante el régimen puritano de Oliver Cromwell-, más la persistente prohibición de las mujeres en los escenarios -hasta 1661- retrasó la implantación del teatro musical en las islas.

Hasta la invasión de la ópera seria händeliana en 1711, fueron Matthew LockeHenry Purcell  los principales responsables del desarrollo de un primer modelo de ópera genuinamente autóctono: Las “óperas dramáticas” (o semióperas), espectáculos híbridos entre la ópera y el teatro, con deslumbrantes y efectistas escenografías y canciones que apelaban directamente al gusto popular.

En esta entrada abordamos este género a través de la canción “How blest are shepherds” de la ópera dramática El rey Arturo [1691] de Henry Purcell.

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Franz Schubert – “Danksagung an den Bach” (Análisis)

schone_mullerin_dieskauEl lied -entendido como canción en lengua alemana con acompañamiento pianístico- vivió un intenso desarrollo artístico a partir de la década de 1820. El que había sido uno de los géneros más modestos de la música doméstica del siglo XVIII, renació entonces como portador de una nueva sensibilidad, profetizada por los poetas de los tiempos del Sturm und Drang y reinterpretada a través del impulso nacionalista del contemporáneo Volkslied.

Iniciamos una breve serie dedicada a uno de los hitos del lied: El ciclo La bella molinera [1824] de Franz Schubert, con su cuarta canción, “Danksagung an den Bach” (“Agradecimiento al arroyo”).

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“Amarilli mia bella” de Caccini y el nacimiento del bajo continuo

caccini_lpLa canción -junto con la danza- constituye una de los fundamentos de la musicalidad humana. Género primigenio como pocos, la canción ha acompañado a la Humanidad desde tiempos inmemoriales, y ha adquirido a lo largo de las culturas y las edades las más variadas configuraciones.

Tras las artículos como los dedicados a la canción trovadoresca, y a hitos como La Monica o “Mille regretz”, continuaremos este recorrido con uno de los momentos fundacionales de un nuevo estilo de canción: El stile moderno proclamado por Giulio Caccini en su obra/manifiesto Le nuove musiche, publicada en Florencia en 1602.

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Josquin – Chanson “Mille regretz” (análisis)

josquin_chansonsLa inmensa popularidad de la canción polifónica “Mille regretz” a lo largo del siglo XVI no ha impedido despejar todas las dudas sobre su autoría y origen. Nada se sabe de su fecha de composición, y sobre su autoría nos basamos en la atribución a Josquin en una tablatura de 1538 de Luis de Narváez (en la que se refiere a ella como “Canción del emperador”, por ser la favorita de Carlos I de España), además del cancionero publicado por Tielman Susato en 1544.

En este artículo analizaremos esta canción, estudiándola desde el punto de vista retórico, paradigma cultural que ejercerá una enorme influencia en las artes musicales durante los siglos venideros, y que encontró precisamente en Josquin a su pionero más sobresaliente.

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Una pastorela de Marcabrú (análisis)

pastorelaMarcabrú fue -junto con Jaufre Rudel– el más destacado de la denominada “primera generación” de trovadores, activa durante la primera mitad del siglo XII. La poesía de Marcabrú es compleja y en ocasiones obscena. Los ataques dialécticos que dirigió el trovador contra los nobles gascones acabarían por costarle la vida.

La pastorela un género literario característico de la poesía trovadoresca. De carácter humorístico, describe el encuentro de un caballero con una bella pastora a la que intenta seducir, con distinto resultado según el poema. La pastorela que analizaremos aquí es uno de los escasos cuatro poemas con música que han sobrevivido de este legendario trovador.

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Schubert – Variaciones sobre “La trucha” (análisis)

Schubert_TruchaLas variaciones -una forma musical que cuenta con una tradición que se remonta al menos hasta las diferencias y disminuciones del Renacimiento- gozaron de un consolidado estatus en el periodo que denominamos Clasicismo. Construidas en ocasiones como obras independientes -especialmente, cuando se basaban en temas conocidos, procedentes de la ópera o de la música popular-, se integraron también dentro de los grandes géneros clásicos como la sonata, la música de cámara o la sinfonía, generalmente en forma de movimiento lento.

En el primer artículo dedicado a esta forma musical, analizaremos un célebre ejemplo de Franz Schubert -una figura clave en la transición del Clasicismo al Romanticismo alemán-, basado en una canción propia que había alcanzado cierta popularidad unos años antes (“Die Forelle”, “La trucha”), e incluida como cuarto movimiento del Quinteto para piano, violín, viola, violonchelo y contrabajo en La mayor, op.144, conocido también con el nombre de esta acuática especie.

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Tres sonatas barrocas sobre La Monica

Ángel bajonista en la iglesia de San Bartolomé Cocucho, en la región de Michoacán (Méjico)El desarrollo del bajo continuo a principios del siglo XVII tuvo como efecto colateral el acceso al circuito editorial musical de una nueva clase de instrumentistas que hasta entonces habían permanecido prácticamente excluidos del mismo: nos referimos a los virtuosos de instrumentos monódicos, como el violín o el bajón/fagot.

El bajo continuo -sistema compacto de notación de un acompañamiento polifónico- no solo permitió a los virtuosos de estos instrumentos desarrollar un estilo solista liberado de las servidumbres del contrapunto, sino también acceder a los canales internacionales abiertos por la música impresa, gracias a un sistema de notación -el bajo continuo- que se ajustaba perfectamente a sus necesidades y resultaba tan eficaz desde el punto de vista notacional como lo habían sido las tablaturas para los instrumentos de tecla o cuerda pulsada.

En este tercer artículo dedicado a La Monica, analizaremos tres sonatas del Barroco temprano basadas en esta melodía, cuyos orígenes puedes conocer leyendo el primer artículo de la serie.

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