Análisis

El análisis musical ofrece la posibilidad de comprender cómo ha sido construida la música, su estructura y las claves para entenderla -y disfrutarla- aún más.
Existen muchas formas de analizar la música, unas más intuitivas, y otras más formales. En nuestro caso nos situaremos en una zona intermedia. Eso sí, partiendo siempre de la capacidad auditiva -escuchar, relacionar, comprender- del lector.

Empleo del “double-time feel” en “My funny Valentine” de Miles Davis (1956)

davis_cookinEl double-time feel (DTF) es un recurso rítmico consistente en generar una sensación subjetiva de aceleración del tempo que ha sido empleado en el ámbito de distintas músicas urbanas del siglo XX (jazz, rock, pop, especialmente).

Como continuación de nuestro artículo dedicado a la canción “My funny Valentine”, analizaremos en esta ocasión la aplicación de este efecto rítmico en un registro de este standard firmado por el Miles Davis Quintet, con el propósito de indagar en sus repercusiones formales y estéticas.

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Richard Rodgers – “My funny Valentine” (Análisis)

babes_in_arms_logoEl musical estadounidense se enmarca en una tendencia más global de diversificación de los formatos de teatro musical iniciado durante la segunda mitad del siglo XIX. Tras unos inicios turbulentos y artísticamente poco prometedores, el género alcanzó durante los años 1920 una edad de oro que, gracias a su alianza con el cine sonoro, propulsó su difusión a escala planetaria hasta los años 50.

En este primer artículo dedicado al musical indagaremos en sus orígenes y estudiaremos uno de los números musicales más célebres de su edad de oro, “My funny Valentine” del musical Babes in arms [1937] de Richard Rodgers y Lorenz Hart.

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Introducción a la forma sonata (II)

cuartetos_milanesesLa forma de sonata es -junto a la fuga– una de las estructuras musicales más prestigiosas de la tradición occidental, donde ha sido omnipresente -en la música instrumental, desde la música solista a la sinfónica- a lo largo de un ciclo vital de más de un siglo que cubre aproximadamente desde Haydn hasta Mahler.

Tras un primer artículo (Introducción a la forma sonata) en el que hemos tratado un marco de referencia básico, profundizaremos en la forma sonata a lo largo de dos nuevos artículos, tomando como referencia los movimientos iniciales de los seis cuartetos milaneses (K.155-160) [1772-73] de Mozart, dedicando el primero de ellos a las estructuras estables (temas) y el segundo a las inestables (transiciones y desarrollos).

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Una sinfonía de Johann Stamitz

stamitzLa sinfonía clásica, tal como la conocemos a través de las obras maestras del clasicismo vienés (Haydn, Mozart), es el resultado de la evolución a lo largo del siglo XVIII de la sinfonia italiana, pieza orquestal utilizada como oberturas de sus óperas por compositores como Alessandro Scarlatti, Antonio Caldara o Baldassare Galuppi.

En este artículo estudiaremos el movimiento inicial de una sinfonía de uno de los maestros del género entre las décadas de 1740-50, el checo Johann Stamitz, uno de los miembros más destacados de la Escuela de Mannheim, ligada a la célebre orquesta, en una etapa en la cual la sinfonía se había emancipado como género autónomo para la sala de conciertos.

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Un aria da capo de Leonardo Vinci

vinci_artaserseEl aria da capo es la forma musical predominante en las arias de la ópera seria del siglo XVII. Se denomina así porque su estructura resulta de la expresión italiana da capo (desde el principio) situada al final de la partitura, la cual indicaba que, una vez terminada, debía volver a interpretarse desde el principio hasta el calderón central.

Tras el análisis del aria “Vedrò con mio diletto” de Antonio Vivaldi, en este segundo artículo dedicado a este influyente género, analizaremos un aria de Leonardo Vinci, uno de los compositores de ópera más destacados de la década de 1720, extraída de su ópera seria Artasese, estrenada en Roma en 1730, poco antes de su repentina (y nunca esclarecida) muerte.

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Una sonata de Dario Castello (análisis)

front_cover_visual-bolder_2-copyLa invención y expansión del bajo continuo promovió el desarrollo de formas instrumentales de nuevo cuño a lo largo de todo el siglo XVII. Entre ellas, la sonata (de “suonare” = sonar, tocar un instrumento) será la que alcance un desarrollo más largo y duradero.

Tras un primer artículo dedicado a la sonata basada en la variación (Tres sonatas barrocas sobre La Monica), profundizaremos en los orígenes de este género estudiando un formato derivado de las viejas formas polifónicas pero que apunta ya a la sonata da chiesa de Arcangelo Corelli. Nos referimos a las sonatas concertadas en estilo moderno del veneciano Dario Castello.

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Cánones y elaboración motívica en las invenciones a dos voces de Bach

janine_jansen_invencionesTras un primer artículo (dedicado a las invenciones basadas en sujetos cortos), y un segundo (dedicado a las invenciones basadas en la técnica del contrapunto doble), dedicaremos este tercer artículo a estudiar las técnicas canónicas y la construcción motívica en las Invenciones a dos voces de J. S. Bach.

Analizaremos también las Invenciones BWV 773, 775, 779 y 785, cada una de las cuales ilustra alguna faceta de las técnicas canónicas empleadas por Bach en esta colección.

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Un conductus a dos voces: “Crucifigat omnes”

carmina_clemencicNacido como un modesto canto procesional, el conductus acabó convirtiéndose -junto con el organum– en uno de los arquetipos fundamentales de la composición de los primeros estadios de la composición polifónica.

Tras un primer artículo dedicado al conductus monódico (“Natali regis glorie”), perteneciente a la órbita siciliano-normanda, estudiaremos una versión a dos voces de un célebre conductus polifónico de principios del siglo XIII perteneciente al ámbito de Notre Dame, pero cuya letra encontramos también en los Carmina Burana: “Crucifigat omnes”, una arenga a la participación en la Quinta Cruzada.

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Un conductus monódico: “Natali regis glorie”

MI0003677197Si atendemos a los códices musicales de los siglos XII y XIII, el conductus se revela -junto con el organum– como uno de los géneros musicales más característicos de este periodo. Nacido como un modesto canto procesional, acabó convirtiéndose en uno de los arquetipos fundamentales de la composición polifónica de este periodo.

En este artículo indagaremos los orígenes de este género tomando como ejemplo el conductus monódico “Natali regis glorie” incluido en un manuscrito de origen normando-siciliano del siglo XII.

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Análisis de un himno latino (Pange lingua gloriosi)

himnos_ruhlandEl himno ocupa un lugar muy peculiar en el repertorio gregoriano. A diferencia de los cantos principales del misa y del oficio, los textos de los himnos no proceden de los salmos, ni sus melodías tienen su origen en la recitación, sino que son composiciones originales cuyos autores están, en muchos casos, identificados.

La estructura estrófica del himno, su métrica regular -frente a la irregularidad del versículo gregoriano- y el estilo silábico de sus melodías lo convierte así en el género más llano y pegadizo del repertorio gregoriano.

En este artículo estudiaremos este género tomando como muestra uno de sus ejemplos más célebres, el himno “Pange lingua gloriosi”.

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