La interpretación chopiniana según Raoul Pugno

Raoul Pugno, discípulo de Georges Mathias –a su vez discípulo de Chopin–, es autor de dos documentos con un valor excepcional desde el punto de vista del estudio histórico de la interpretación: en primer lugar, unas Leçons écrites publicadas en 1909, donde aporta instrucciones detalladas para la interpretación de un conjunto de obras chopinianas conforme a una tradición supuestamente auténtica, y el registro fonográfico (datado en 1903) del Nocturno op.15 nº2, obra incluida en dichas leçons.

Partiendo de estos documentos, esclareceremos el sentido de la fuente escrita (las leçons) con respecto a la fuente sonora y valoraremos en qué medida contribuye el documento escrito a esclarecer las intenciones interpretativas del autor (versión completa del artículo publicado en la revista digital AV Notas del Conservatorio Superior de Música “Andrés de Vandelvira” de Jaén).

Dedicatoria y género en el Trío con piano de Chaikovsky (Análisis)

Las dedicatorias constituyeron un elemento imprescindible y característico del Antiguo Régimen. Funcionaron como un símbolo del patronazgo artístico que cumplía una importante función propagandística hacia aquéllos que, con su soporte económico, hacían posible el cultivo de la cultura. Así, prácticamente todas las obras importantes de Beethoven están dedicadas a ilustres mecenas como el príncipe Lichnowsky, el príncipe Lobkowitz o el conde Razumovski, entre los más conocidos, aunque el mismo Beethoven abriría una decisiva brecha con su singular dedicatoria a Napoleón Bonaparte (posteriormente corregida como “para celebrar la memoria de un gran hombre”) que incidiría decisivamente en el contenido musical de su tercera sinfonía.

En este artículo trataremos la interferencia entre la dedicatoria y el género musical tomando como referencia una obra de cámara no menos singular: el Trío con piano en La menor de Piotr Ilich Chaikovsky.

Chopin – Poesía y erotismo en el Nocturno op.15 nº2 (Análisis)

El nocturno constituye probablemente la forma de expresión más intimista y personal de Fréderic Chopin (1810-1849). Planteada como una pieza independiente de carácter lírico y contemplativo, a menudo estructurado en forma ternaria, el nocturno presenta unas características estilísticas muy peculiares que lo convierten en un ejemplo paradigmático de la poética musical que se elevó como uno de los estandartes del Romanticismo entre las décadas de 1830-40.

Iniciaremos una breve serie de artículos dedicados a una de estas obras, el Nocturno en Fa sostenido mayor, publicado dentro del op.15 en enero de 1834, con un análisis en el que nos centraremos en las connotaciones poéticas  (y eróticas) de la retórica musical romántica.

Un Kyrie de Rossini (y varios fraudes musicológicos)

El “Adagio” de Albinoni [1], el “Ave Maria” de Caccini [2] o las piezas para violín de compositores antiguos –Boccherini, Porpora, Martini, Couperin o Pugnani, entre otros muchos– “desempolvadas” por el virtuoso Fritz Kreisler [3] a principios del siglo XX pertenecen a esa inefable categoría musical de obras apócrifas que han alcanzado una notabilísima proyección gracias al insospechado encaje entre el afán defraudador de sus autores y la afición del gran público por el kitsch de anticuario. Hasta el extremo de que algunas de ellas se hayan convertido para el aficionado poco informado –incluyendo a menudo a sus intérpretes– en la única obra conocida de “su” autor.

En este artículo trazaremos un breve recorrido histórico de estos fraudes musicológicos que se remonta a los orígenes de la musicología francesa moderna, y su imbricación con los movimientos románticos de renovación de la música litúrgica, entre los que podemos incluir la singular Pequeña Misa Solemne [1863] de Rossini.

W. A. Mozart – Adagio de la Gran Partita K.361 (análisis)

El tercer movimiento (Adagio) de la Serenata para vientos en Si bemol mayor KV.361, conocida como “Gran Partita”, de W. A. Mozart es una elocuente muestra de la extensión de los principios estructurales de la sonata a géneros aledaños, como el aria instrumental, o movimiento lento que suele ocupar la segunda posición en sonatas y sinfonías.

En esta entrada añadimos un nuevo y singular ejemplo de estudio a nuestra serie de artículos dedicados a la forma sonata.

Mensuración e isorritmia en el Kyrie de la Misa de Notre Dame de Machaut

La Misa de Notre Dame de Guillaume de Machaut es considerada por su ambición y complejidad -está escrita íntegramente a cuatro voces, en un alarde técnico infrecuente hasta la fecha-, uno de los hitos indiscutibles de la composición polifónica del siglo XIV, así como una de las obras más significativas del Ars nova.

Introduciremos esta obra analizando la primera de sus secciones -el Kyrie- el cual utiliza de forma muy original diversas técnicas isorrítmicas, haciendo uso de un cantus firmus (melodía dada) extraído del Ordinario de la misa: el Kyrie “Cunctipotens Genitor Deus”.

Empleo del “double-time feel” en “My funny Valentine” de Miles Davis (1956)

El double-time feel (DTF) es un recurso rítmico consistente en generar una sensación subjetiva de aceleración del tempo que ha sido empleado en el ámbito de distintas músicas urbanas del siglo XX (jazz, rock, pop, especialmente).

Como continuación de nuestro artículo dedicado a la canción “My funny Valentine”, analizaremos en esta ocasión la aplicación de este efecto rítmico en un registro de este standard firmado por el Miles Davis Quintet, con el propósito de indagar en sus repercusiones formales y estéticas.

Richard Rodgers – “My funny Valentine” (Análisis)

El musical estadounidense se enmarca en una tendencia más global de diversificación de los formatos de teatro musical iniciado durante la segunda mitad del siglo XIX. Tras unos inicios turbulentos y artísticamente poco prometedores, el género alcanzó durante los años 1920 una edad de oro que, gracias a su alianza con el cine sonoro, propulsó su difusión a escala planetaria hasta los años 50.

En este primer artículo dedicado al musical indagaremos en sus orígenes y estudiaremos uno de los números musicales más célebres de su edad de oro, “My funny Valentine” del musical Babes in arms [1937] de Richard Rodgers y Lorenz Hart.

Introducción a la forma sonata (II)

La forma de sonata es -junto a la fuga– una de las estructuras musicales más prestigiosas de la tradición occidental, donde ha sido omnipresente -en la música instrumental, desde la música solista a la sinfónica- a lo largo de un ciclo vital de más de un siglo que cubre aproximadamente desde Haydn hasta Mahler.

Tras un primer artículo (Introducción a la forma sonata) en el que hemos tratado un marco de referencia básico, profundizaremos en la forma sonata a lo largo de dos nuevos artículos, tomando como referencia los movimientos iniciales de los seis cuartetos milaneses (K.155-160) [1772-73] de Mozart, dedicando el primero de ellos a las estructuras estables (temas) y el segundo a las inestables (transiciones y desarrollos).

Una sinfonía de Johann Stamitz

La sinfonía clásica, tal como la conocemos a través de las obras maestras del clasicismo vienés (Haydn, Mozart), es el resultado de la evolución a lo largo del siglo XVIII de la sinfonia italiana, pieza orquestal utilizada como oberturas de sus óperas por compositores como Alessandro Scarlatti, Antonio Caldara o Baldassare Galuppi.

En este artículo estudiaremos el movimiento inicial de una sinfonía de uno de los maestros del género entre las décadas de 1740-50, el checo Johann Stamitz, uno de los miembros más destacados de la Escuela de Mannheim, ligada a la célebre orquesta, en una etapa en la cual la sinfonía se había emancipado como género autónomo para la sala de conciertos.