Beethoven – Sinfonía nº3, «Heroica» 1er movimiento (análisis)

Siguiendo la estela de nuestros artículos dedicados a la forma de sonata –así como a la sinfonía–, dedicamos esta entrada al primer movimiento de una de las sinfonías más rompedoras de la historia de este particular género, así como uno de los ejemplos de forma de sonata más magistrales de su autor: la que conforma el primer movimiento de la Sinfonía nº3 en Mi bemol mayor, op. 55 «Heroica» de Ludwig van Beethoven.

Atenderemos a distintos aspectos de esta obra, desde su célebre dedicatoria a Napoleón, algunas polémicas en torno a su forma musical, el inédito protagonismo del ritmo y otras cuestiones relativas a su estructura.

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Un rondó clásico: el rondó del Trío «Gitano» de Haydn

El trío para piano, violín y violonchelo constituyó durante el siglo XVIII un formato de música cámara relativamente ligero. Concebido originalmente casi como una sonata para piano con acompañamiento opcional de violín y violonchelo (la parte de violín doblando la melodía principal y el violonchelo doblando el bajo del piano), el género mantuvo un discreto estatus hasta que Beethoven emancipara gradualmente a los instrumentos de cuerda en sus tríos, publicados entre 1795 y 1816.

En esta entrada trataremos este género musical tomando como caso de estudio el rondó «all’Ongarese» (a la húngara) del Trío con piano nº39 de Franz Joseph Haydn. Las raíces gitanas de esta pieza conectarán así con el artículo Una breve historia de la música zíngara, mientras que el análisis musical se sumará a nuestra serie dedicada al rondó clásico.

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El Stabat mater de Pergolesi y la estética del sentimiento (análisis)

Como decíamos en el artículo El llanto de la madre. Ocho siglos de Stabat mater, el Stabat mater es uno de los textos religiosos más y mejor tratados por los compositores de todos los tiempos. De carácter luctuoso, el Stabat mater se ha consagrado a lo largo de los tiempos como una alternativa al Requiem como medio de expresión musical del dolor provocado por la muerte.

En esta entrada analizaremos el primer número de la que es probablemente la musicalización más interpretada de este texto –la de Giovanni Battista Pergolesi, compuesta en 1736–, que es además una de las obras de su siglo que más comentarios y debates despertó durante las décadas sucesivas en torno a un paradigma estético –la sensibilidad, la emoción, el gusto– que señalará el punto de inflexión del estilo musical que acabará por conducir al Clasicismo.

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W. A. Mozart – Adagio de la Gran Partita K.361 (análisis)

El tercer movimiento (Adagio) de la Serenata para vientos en Si bemol mayor KV.361, conocida como “Gran Partita”, de W. A. Mozart es una elocuente muestra de la extensión de los principios estructurales de la sonata a géneros aledaños, como el aria instrumental, o movimiento lento que suele ocupar la segunda posición en sonatas y sinfonías.

En esta entrada añadimos un nuevo y singular ejemplo de estudio a nuestra serie de artículos dedicados a la forma sonata.

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Introducción a la forma sonata (II)

cuartetos_milanesesLa forma de sonata es -junto a la fuga– una de las estructuras musicales más prestigiosas de la tradición occidental, donde ha sido omnipresente -en la música instrumental, desde la música solista a la sinfónica- a lo largo de un ciclo vital de más de un siglo que cubre aproximadamente desde Haydn hasta Mahler.

Tras un primer artículo (Introducción a la forma sonata) en el que hemos tratado un marco de referencia básico, profundizaremos en la forma sonata a lo largo de dos nuevos artículos, tomando como referencia los movimientos iniciales de los seis cuartetos milaneses (K.155-160) [1772-73] de Mozart, dedicando el primero de ellos a las estructuras estables (temas) y el segundo a las inestables (transiciones y desarrollos).

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Una sinfonía de Johann Stamitz

stamitzLa sinfonía clásica, tal como la conocemos a través de las obras maestras del clasicismo vienés (Haydn, Mozart), es el resultado de la evolución a lo largo del siglo XVIII de la sinfonia italiana, pieza orquestal utilizada como oberturas de sus óperas por compositores como Alessandro Scarlatti, Antonio Caldara o Baldassare Galuppi.

En este artículo estudiaremos el movimiento inicial de una sinfonía de uno de los maestros del género entre las décadas de 1740-50, el checo Johann Stamitz, uno de los miembros más destacados de la Escuela de Mannheim, ligada a la célebre orquesta, en una etapa en la cual la sinfonía se había emancipado como género autónomo para la sala de conciertos.

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Un aria da capo de Leonardo Vinci

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El aria da capo es la forma musical predominante en las arias de la ópera seria del siglo XVII. Se denomina así porque su estructura resulta de la expresión italiana da capo (desde el principio) situada al final de la partitura, la cual indicaba que, una vez terminada, debía volver a interpretarse desde el principio hasta el calderón central.

Tras el análisis del aria «Vedrò con mio diletto» de Antonio Vivaldi, en este segundo artículo dedicado a este influyente género, analizaremos un aria de Leonardo Vinci, uno de los compositores de ópera más destacados de la década de 1720, extraída de su ópera seria Artasese, estrenada en Roma en 1730, poco antes de su repentina (y nunca esclarecida) muerte.

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Introducción a la forma sonata

clementi_horowitzLa forma de sonata es -junto a la fuga– una de las estructuras musicales más prestigiosas y significativas de la tradición occidental. Omnipresente en la música instrumental -desde la música solista a la sinfónica- a lo largo de un ciclo vital de más de un siglo de tradición que cubre aproximadamente desde Haydn hasta Mahler, la forma de sonata se ha manifestado a través de las proporciones más modestas -movimientos de sonatina de uno o dos minutos de duración- hasta las más colosales.

En este artículo introducimos esta forma musical tomando como referencia los movimientos iniciales de las Seis sonatinas op.36 [1797] de Muzio Clementi, seis formas de sonata en miniatura de complejidad creciente, que nos servirán para ilustrar los rasgos más sobresalientes de este género.

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Música para héroes (II). Revolución y tiranía en el siglo XIX

siegfried_rackhamEn esta segunda entrega de la serie de artículos que completan y complementan la conferencia Música para héroes. De Wagner a John Williams, pronunciada en el Museo Cerralbo de Madrid el 21 de abril de 2016, trataremos la figura del héroe en el Romanticismo.

El siglo de las Revoluciones acuñó un arquetipo de héroe libertador que ocupó un puesto destacado en las artes y en la música de su tiempo. Esta figura refleja como pocas las profundas contradicciones del Romanticismo -sus aspiraciones libertarias y humanitarias por un lado, y su rigidez moral y su mesianismo, por otro-, y anticipa algunos de los vectores más atroces de la política del siglo XX.

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Una breve historia de la música zíngara

ciganyzenekarPor música zíngara entendemos la música de los gitanos de Hungría y algunas regiones limítrofes. Caracterizada por un inconfundible exotismo (debido en gran medida a la «escala húngara” tan a menudo citada en los manuales de música) y por un endiablado virtuosismo instrumental, la música zíngara ha constituido desde sus orígenes un territorio dominado por violinistas que llevaron su instrumento al límite de sus posibilidades, causando la admiración de cuantos pudieron disfrutar de su arte.

Así, si Franz Liszt alabó el arte incomparable de János Bihari (1764-1827), Jascha Heifetz declaró a Grigoras Dinicu (1889-1949) el mejor violinista del mundo, mientras otro gran violinista del siglo XX, el británico Yehudi Menuhin, acudió siempre que pudo al club de Bruselas donde actuó durante años su admirado Roby Lakatos (1965).

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