Un conductus monódico: “Natali regis glorie”

Si atendemos a los códices musicales de los siglos XII y XIII, el conductus se revela -junto con el organum– como uno de los géneros musicales más característicos de este periodo. Nacido como un modesto canto procesional, acabó convirtiéndose en uno de los arquetipos fundamentales de la composición polifónica de este periodo.

En este artículo indagaremos los orígenes de este género tomando como ejemplo el conductus monódico “Natali regis glorie” incluido en un manuscrito de origen normando-siciliano del siglo XII.

Análisis de un himno latino (Pange lingua gloriosi)

El himno ocupa un lugar muy peculiar en el repertorio gregoriano. A diferencia de los cantos principales del misa y del oficio, los textos de los himnos no proceden de los salmos, ni sus melodías tienen su origen en la recitación, sino que son composiciones originales cuyos autores están, en muchos casos, identificados.

La estructura estrófica del himno, su métrica regular -frente a la irregularidad del versículo gregoriano- y el estilo silábico de sus melodías lo convierte así en el género más llano y pegadizo del repertorio gregoriano.

En este artículo estudiaremos este género tomando como muestra uno de sus ejemplos más célebres, el himno “Pange lingua gloriosi”.

Secuencias armónicas en las invenciones a dos voces de J.S. Bach

Las 15 Invenciones a 2 voces [1720] de Johann Sebastian Bach constituyen una pequeña enciclopedia de las más importantes técnicas contrapuntísticas aún vigentes en el Barroco tardío. Si en el primer artículo dedicado a esta colección hemos estudiado principalmente la estructura tonal de estas piezas, en este segundo artículo estudiaremos las secuencias armónicas empleadas a lo largo de sus numerosos y variados episodios.

Proseguiremos también con el análisis individualizado de cuatro invenciones que guardan entre sí una característica común: La utilización de (al menos) un contrasujeto y, con él, de técnicas de contrapunto doble con sentido estructural.

Cuatro invenciones a 2 voces de J.S. Bach sobre sujetos breves

La ciencia del contrapunto se ha manifestado a través de los más diversos géneros. Entre los más modestos se encuentran las 15 Invenciones a 2 voces de J. S. Bach, un magistral compendio de esta ciencia concebido para entrenar a sus discípulos en el arte de la interpretación y en el oficio de la composición.

Obras de paso obligado no solo para casi todos los aprendices de piano de nuestro tiempo, sino también para los aprendices de composición, abrimos esta serie de cuatro artículos dedicados a este singular género con el ánimo de familiarizar al lector con las prodigiosas técnicas en ella exhibidas.

Introducción a la forma sonata

La forma de sonata es -junto a la fuga– una de las estructuras musicales más prestigiosas y significativas de la tradición occidental. Omnipresente en la música instrumental -desde la música solista a la sinfónica- a lo largo de un ciclo vital de más de un siglo de tradición que cubre aproximadamente desde Haydn hasta Mahler, la forma de sonata se ha manifestado a través de las proporciones más modestas -movimientos de sonatina de uno o dos minutos de duración- hasta las más colosales.

En este artículo introducimos esta forma musical tomando como referencia los movimientos iniciales de las Seis sonatinas op.36 [1797] de Muzio Clementi, seis formas de sonata en miniatura de complejidad creciente, que nos servirán para ilustrar los rasgos más sobresalientes de este género.

Harvey – Mortuos Plango, Vivos Voco

En este segundo artículo de la serie dedicada a la serie de seis programas televisivos titulados XXe siecle (Siglo XX), producidos entre los años 1987-88, y conducidos por Pierre Boulez, trataremos un tipo de música que entra de lleno en los que hemos denominado la Tercera edad de la música (o era del sonido).

Se trata de la composición electrónica Mortuos Plango Vivos Voco [1980] del británico Jonathan Harvey, una pieza clave en este ámbito, pero que es también significativa desde el punto de vista de la corriente compositiva conocida como espectralismo,

Feldman – Rothko Chapel

La Capilla Rothko de Houston, junto con la obra Rothko Chapel del compositor estadounidense Morton Feldman, conforman una de las asociaciones entre música y arquitectura más emblemáticas del pasado siglo, sólo igualada en representatividad por las aportaciones musicales de Xenakis y Varèse en relación con el Pabellón Philips de Bruselas [1958].

Estrenada poco después de la trágica muerte del pintor Mark Rothko -impulsor de la capilla y amigo del compositor-, Rothko Chapel fue concebida y estrenada en este mismo espacio como un homenaje al artista, y puede considerarse también como una suerte de réquiem, no adscrito a credo alguno, pero rebosante de emoción y espiritualidad.

Schönberg – Un superviviente de Varsovia

Escrita durante su exilio californiano, y estrenada en Albuquerque (Nuevo México) el 4 de noviembre de 1948, A survivor from Warsaw (Un superviviente de Varsovia), para narrador, coro masculino y orquesta, es una de las obras más singulares e impactantes de Arnold Schönberg.

La obra pone en música el testimonio de un superviviente del gueto de Varsovia, masacrado por los nazis en 1943 en uno de los episodios más cruentos del Holocausto. De apenas seis minutos de duración, Un superviviente de Varsovia alcanzó un éxito desacostumbrado en obras dodecafónicas, erigiéndose en poco tiempo como un referente ético de las vanguardias del siglo XX.

Richard Strauss – Así habló Zaratustra op.30

En su poema sinfónico Así habló Zaratustra op.30 [1896], Richard Strauss recreó musicalmente la obra homónima de Friedrich Nietzsche, publicada -en su versión final e íntegra- solo seis años antes. Recurriendo a un texto -y un filósofo- enormemente polémicos, Strauss daba un nuevo golpe maestro que lo consolidaba como “heredero” musical de Wagner y cabeza visible de la vanguardia musical alemana.

En este artículo analizaremos la obra, deteniéndonos en su estructura formal así como en sus conexiones con la obra de Nietzsche, y reservando un pequeño espacio para la compleja fuga que se sitúa en la mitad de la obra.

Música para héroes (II). Revolución y tiranía en el siglo XIX

En esta segunda entrega de la serie de artículos que completan y complementan la conferencia Música para héroes. De Wagner a John Williams, pronunciada en el Museo Cerralbo de Madrid el 21 de abril de 2016, trataremos la figura del héroe en el Romanticismo.

El siglo de las Revoluciones acuñó un arquetipo de héroe libertador que ocupó un puesto destacado en las artes y en la música de su tiempo. Esta figura refleja como pocas las profundas contradicciones del Romanticismo -sus aspiraciones libertarias y humanitarias por un lado, y su rigidez moral y su mesianismo, por otro-, y anticipa algunos de los vectores más atroces de la política del siglo XX.