Unidad 14 – Formas y géneros musicales del Clasicismo

von-menzel-adolf-4El desarrollo del mercado editorial musical vinculado a la música de cámara, unido éxito del concierto público como medio de difusión de la música orquestal tuvieron como resultado la formación de una serie de estilos que los contemporáneos denominaron “galante” o “sentimental” (Empfindsamer stil) pero que sería rebautizado en el siglo XIX como “Clasicismo”. Este estilo reflejaba el gusto y la pujanza de las clases medias urbanas -burguesía- frente a los de las clases dominantes, encarnados por la ópera seria (aristocracia) y la música sacra (Iglesia), respectivamente. y era portador de nuevos valores:

  • Internacionalismo. Frente a los estilos barrocos tardíos, fuertemente marcados por su origen nacional, el estilo clásico se convertirá en una especie de lingua franca musical de ámbito europeo.
  • Sentimiento. Frente a la expresividad “objetiva” y basada en artificios retóricos del Barroco, el estilo clásico canaliza una nueva forma de expresión más intimista y libre, apoyada básicamente en el gusto y el sentimiento. La posibilidad de crear matices gracias a instrumentos como el fortepiano -que sucederá al clavecín como centro del espacio musical doméstico- sustituirá a la dificultad técnica y la exuberancia en la ornamentación característicos del Barroco como principal recurso expresivo del Clasicismo.
  • Inteligibilidad. El estilo clásico reaccionará a las complejidades de la fuga, el contrapunto y el bajo continuo en favor de un discurso transparente e inteligible, pero a la vez portador de sentimiento y drama. Los códigos de este nuevo lenguaje se verán reforzados gracias a su expansión a todos los ámbitos musicales del siglo XVIII, partiendo como sabemos de la música de cámara y sinfónica y extendiéndose a ámbitos más alejados como el concierto o incluso la música sacra.

En esta unidad estudiaremos dichos códigos, que cristalizarán en las denominadas formas de sonata y que constituyen -junto a la fuga– uno de los dos grandes paradigmas formales de la tradición clásica occidental.

Las formas clásicas

Concierto en la casa de la Condesa de Saint Brison. Grabado de Antoine Jean Duclos.

Concierto en la casa de la Condesa de Saint Brison. Grabado de Antoine Jean Duclos.

Por forma musical se entiende la estructura (división y disposición de las partes) de una obra musical cerrada y autosuficiente. Es decir, no tanto de obras multiseccionales como una ópera o una sinfonía, sino de cada una de sus partes separables, como un aria o un movimiento de sinfonía, concierto o sonata.

Las formas clásicas derivaron de las barrocas a través de un complejo proceso de selección natural y adaptación a los nuevos gustos, basados por un lado en la claridad y sencillez, pero que por otro aspiraban a la expresión de sentimientos por vías puramente instrumentales. Este proceso tuvo lugar en dos grandes fases, caracterizadas por la radical simplificación de texturas y armonía (entre 1730 y 1765), y otra en la que las nuevas texturas y formas irán aumentando su complejidad y sus proporciones.

Las formas clásicas parten de la utilización de elementos melódicos y armónicos bastante simples en comparación con el estilo Barroco. Tanto la densidad motívica como la armónica es menor, y además las frases musicales se benefician de una mayor regularidad y “previsibilidad”. Donde recae el énfasis del Clasicismo es en la estructura (o la forma): en cómo disponer un conjunto de temas musicales de modo que resulte un discurso musical coherente, variado y que genere interés y tensión.

Las obras multiseccionales del Clasicismo (como sinfonías, serenatas, divertimentos, música de cámara o sonatas) suelen disponer los movimientos en el siguiente orden:

  • Primer movimiento. Forma de sonata (la vemos más abajo con mayor detalle).
  • Segundo movimiento. Tema y variaciones, o forma de sonata sin desarrollo (o con desarrollo breve).
  • Tercer movimiento. Minueto o Scherzo. Este movimiento suele excluirse en las sonatas. En las serenatas y divertimentos puede haber varios minuetos o scherzos.
  • Cuarto movimiento. Rondó, forma de sonata, o rondó-sonata.

La Europa de las modas musicales

Como producto de entretenimiento dirigido al público burgués y aristocrático, la música del clasicismo se vio afectada por diversas modas, algunas muy recurrentes o persistentes a lo largo de las décadas. Entre ellos destaca el Sturm und Drang, corriente preromántica que afectó a todas las artes pero cuya traducción musical y escénica (a través del ballet o del melólogo) estuvo centrada en los países de habla alemana. Este movimiento se desarrolló en varias oleadas y alcanzó su punto álgido musical alrededor de 1780.

Entre las modas de carácter nacional, dos de las dos más destacadas fueron la española y la turca. La primera tuvo en el fandango su género más característico e internacional, en el que es uno de los reflejos más antiguos del arte musical preflamenco. Las modas turcas se produjeron en oleadas sucesivas ya desde el siglo XVII, alimentadas por la amenaza militar del Imperio Otomano en el borde oriental del Imperio Austríaco.

El Sturm und Drang. Este estilo encontró en el modo menor y los gestos angulosos y contrastantes una seña de identidad frente al predominio del modo mayor y las líneas cantábiles en las corrientes principales de la época.

El fandango en la música del siglo XVIII. Esta danza popular en ritmo ternario de popularizó en la corte española del siglo XVIII y conquistó posteriormente los salones europeos y latinoamericanos.

La moda turca en la música del siglo XVIII. La música militar jenízara constituyó el origen de las bandas militares europeas y una inspiración duradera para los compositores centroeuropeos del siglo XVIII (ARTÍCULO COMPLETO).

Carl Philipp Emanuel Bach – Sinfonía en Mi menor Wq. 178 – 1º mov. Allegro assai [1756].

Christoph Willibald GluckDon Juan – XX Fandango [1761].

Wolfgang Amadeus MozartSonata en La mayor K.331 – 3er mov. Rondó Alla turca [ca.1780].

Los géneros clásicos

La serenata para vientos era un género musical utilizado para amenizar comidas y eventos al aire libre.

La serenata para vientos era un género musical destinado para amenizar comidas y eventos al aire libre.

Si la forma se refiere a la “estructura” de una obra musical, el género se refiere sencillamente a su “denominación”: Una sinfonía, una serenata, un divertimento, una sonata para piano o un cuarteto de cuerda son distintos géneros que, independientemente de su denominación, están compuestos por un número similar de movimientos con formas semejantes.

La denominación de los géneros clásicos depende, en algunos casos, de la formación a la que está destinada (cuarteto de cuerda, trío con piano, etc.). En otros casos, la denominación depende de su uso social: Algunas serenatas o divertimentos están escritos para una formación de cuarteto de cuerda, sin embargo la serenata y el divertimento se distinguen del cuarteto de cuerda en que son música escrita para amenizar diversos actos -están escritas para músicos que tocan para sus patronos- mientras que un cuarteto de cuerda está destinado, como ya sabemos, a instrumentistas aficionados y a su uso doméstico.


Cuestión de género…

El cuarteto de cuerda nació como un género de ámbito doméstico, apto para el consumo de los aficionados. El cuarteto clásico consta de cuatro movimientos, análogos a los de una sinfonía: allegro en forma de sonata, movimiento lento de carácter lírico, minueto y presto, normalmente en forma de rondó o sonata.

El concierto solista es quizá el género barroco que ha subsistido con mayor éxito a lo largo de distintas épocas y estilos. La razón de ello ha sido la necesidad de los virtuosos en toda época de desplegar de la forma más eficaz posible sus posibilidades musicales y técnicas. El primer movimiento de concierto solista clásico adopta por lo común una forma de sonata con doble exposición: Una abreviada a cargo de la orquesta -que emula así al ritornello inicial del concierto barroco- y otra completa a cargo del solista. La otra peculiaridad de la forma de sonata de concierto es la inserción de una cadenza -solo improvisado- en la Recapitulación antes del grupo cadencial final.

La serenata nació como un género apto para la amenización de veladas y celebraciones. En concreto, las serenatas para vientos fueron utilizadas principalmente para acompañar cenas importantes. Suelen constar de entre cuatro y ocho movimientos de carácter más ligero, a menudo con varios minuetos o danzas.

Franz Joseph Haydn – Cuarteto de cuerda op.33 nº2 – 4º mov. Finale. Presto [1781]. Haydn fue el compositor más reputado internacionalmente en el género del cuarteto de cuerda, un género de música doméstica destinado al músico amateur. Este rondó-sonata.

Wolfgang Amadeus Mozart – Concierto para piano y orquesta nº17 K.453 – 3er mov. Allegretto. Presto [1784]. El movimiento final de los conciertos clásicos suele tener forma de rondó o de rondó-sonata, pero en este caso, Mozart utiliza para el movimiento final de este concierto la forma de tema con variaciones.

Ludwig van BeethovenSepteto en Mi bemol mayor op.20 – 3er mov. Tempo di minuetto [1802]. El minueto es una forma de danza en ritmo ternario. El carácter de este movimiento suele ser ligero y desenfadado (ANÁLISIS COMPLETO).

Franz Joseph Haydn – Cuarteto de cuerda op.33 nº2 – 4º mov. Finale. Presto [1781].

Wolfgang Amadeus MozartConcierto para piano y orquesta nº17 K.453 – 3er mov. Allegretto. Presto [1784].

Ludwig van BeethovenSepteto en Mi bemol mayor op.20 – 3er mov. Tempo di minuetto [1802].

Disposición de la forma de sonata

Portada de la primera edición impresa de la Sinfonía nº3

Portada de la primera edición impresa de la Sinfonía nº3 “Eroica” de Beethoven.

De entre todas las formas musicales clásicas –rondó, minueto, tema y variaciones, etc.- hay una que reviste especial relevancia: La forma de sonata.

En sentido estricto, no existe un prototipo de forma sonata, sino varios, cada uno de los cuales ofrece una infinita casuística de variantes. Cada una de estas variantes deriva de formas musicales cultivadas ya desde el Barroco, como la forma de danza procedente de la suite o el aria da capo, que acabaron convergiendo en una forma aún insuperada por su capacidad para integrar materiales temáticos diversos en un todo unificado e impregnado de tensión dramática.

El siguiente cuadro resume la estructura general de dicha forma:

Sección Características Variantes
INTRODUCCIÓN Introduce la tonalidad principal.Está escrita en un tiempo más lento que el resto del movimiento.Es temáticamente independiente del resto del movimiento. No es una sección obligatoria.
EXPOSICIÓN Sección A. Introduce el Tema A en la tonalidad principal.Transición. Sección cuya función es modular a la tonalidad secundaria. Puede introducir motivos nuevos o reutilizar los de la sección A.Sección B. Introduce el Tema (o temas) B en la tonalidad secundaria.Grupo final. Motivos finales breves cuya finalidad es reforzar la cadencia final en la tonalidad secundaria. En algunos movimientos de sonata no existe una transición propiamente dicha, y la Sección B entra directamente sin modulación previa.La tonalidad secundaria es normalmente la del V grado (en el caso de una tonalidad principal mayor) y la del relativo menor (en el caso de una tonalidad principal menor).Normalmente la Exposición se repite íntegramente antes de entrar en el Desarrollo.
DESARROLLO Recombina motivos tomados de la Exposición o incorpora motivos y temas nuevos.Transita por diversas tonalidades de forma libre e imaginativa hasta alcanzar al final la dominante del tono principal que conduzca a la Recapitulación. El Desarrollo suele omitirse en los movimientos lentos, las arias y las oberturas de ópera.
RECAPITULACIÓN Sección A. Reintroduce el Tema A en la tonalidad principal.Transición. Esta sección es modificada (o suprimida) para que conduzca de nuevo a la tonalidad principal.Sección B. El Tema (o temas) B es recapitulado en la tonalidad principal.Grupo final. Motivos finales breves cuya finalidad es reforzar la cadencia final, ahora en la tonalidad principal. Los Temas A y B pueden ser modificados, alterado su orden o alguno de ellos omitido.En el caso de una tonalidad principal menor, la tonalidad de la Sección B puede ser también el homónimo menor.En algunos casos, el conjunto Desarrollo + Recapitulación se repite íntegramente.
CODA Tiene como función dotar de mayor rotundidad al final de la obra.Puede consistir en unas cadencias adicionales, en la reminiscencia de algún motivo o incluso de una nueva extensa sección con carácter de desarrollo. No es una sección obligatoria aunque sí muy frecuente.

Ejemplos de formas de sonata

Tres célebres ejemplos de forma de sonata, la Sinfonía nº5 de Beethoven incluye sendas formas de sonata en los movimientos inicial y final.

Wolfgang Amadeus MozartSerenata nº10 “Gran Partita” K.361 – 3er mov. Adagio [1782]. Este tercer movimiento (Adagio) exhibe una forma de sonata muy original, que sigue al pie de la letra la estructura tonal de la forma sonata pero desdibuja totalmente la estructura temática al mantener la textura virtualmente inalterada a lo largo de la obra (ANÁLISIS COMPLETO).

Ludwig van BeethovenSinfonía nº5 en Do menor op.20 [1808]. Esta sinfonía está planteada como un recorrido espiritual desde la oscuridad del primer movimiento a la luz del cuarto, ambos formas de sonata. Esta obra incluye elementos cíclicos al citar (o adaptar) motivos musicales de unos movimientos en otros.

Gioachino Rossini – El barbero de Sevilla – Obertura [1816]. Esta célebre obertura italiana es un ejemplo de forma de sonata sin Desarrollo. Cuenta, sin embargo, con una extensa Introducción lenta (ANÁLISIS COMPLETO).

Wolfgang Amadeus MozartSerenata nº10 “Gran Partita” K.361 – 3er mov. Adagio [1782].

Ludwig van BeethovenSinfonía nº5 en Do menor op.20 – 1er mov. Allegro con brio [1808] (LEER ANÁLISIS COMPLETO).

Gioachino Rossini – El barbero de Sevilla – Obertura [1816].

Ejercicios de la Unidad 14

 

33 comentarios

  1. Esta unidad se centra en las formas y géneros musicales que aparecen y se desarrollan durante el Clasicismo, cuyas características vienen dadas en gran medida por los valores burgueses. Entre ellos destacan el internacionalismo, que hará de la música clásica la “lingua franca” de Europa; el sentimiento, en respuesta a la objetividad del Barroco, con la posibilidad de crear matices gracias a instrumentos como el fortepiano; y la inteligibilidad, también en reacción a la complejidad barroca, para dar paso a discursos claros y transparentes, empleando elementos melódicos y armónicos mucho más simples.

    El énfasis, por tanto, recae en la estructura de las obras, cuyos movimientos suelen disponerse de una forma específica. Para empezar, el primer movimiento, con una forma de sonata; después, el segundo movimiento, que presenta un tema y sus variaciones (o una forma de sonata sin desarrollo), y el tercer movimiento, un Minueto o Scherzo, que suele excluirse en las sonatas. Por último, el cuarto movimiento, que suele ser un rondó, una forma de sonata o, si el compositor no se decide entre éstos, un rondó-sonata.

    Durante esta época nacen diferentes géneros, que reciben su nombre bien por la formación a la que están destinados (como, por ejemplo, el cuarteto de cuerda, que nace como un género de ámbito doméstico gracias a la burguesía), o bien por su uso social, como las serenatas (cuya intención era la de amenizar veladas y celebraciones).

    Pero el género que subsistió con mayor éxito, ya que era originalmente barroco, a las corrientes clásicas (y mucho más allá), fue el concierto solista. Un ejemplo de esta época es el “Concierto para piano y orquesta no.27” de Mozart. Consta de tres movimientos (Allegro, Andante y Allegretto-Presto), pero sólo me voy a centrar en el tercero, que presenta una forma de tema con variaciones.

    A la exposición del tema, interpretada por la orquesta en su conjunto, le suceden las diferentes variaciones:

    – La primera, en la que el fortepiano interpreta el tema acompañado de la orquesta (especialmente de la sección de las cuerdas).

    – La segunda, en la que se intercalan el fortepiano y los vientos al exponer el tema: comienzan los vientos, acompañados de una variación especialmente virtuosística del fortepiano (parte a), y luego es éste el que toma el liderazgo y es acompañado por el resto (repetición de la parte a). Pasa igual en la parte b del tema y su repetición.

    – La tercera, una variación con un carácter más tranquilo, de interpretación similar a la anterior: se intercalan los vientos y el fortepiano para exponer el tema.

    – La cuarta, que cambia al modo menor y crea un ambiente algo más trágico. La primera vez que suena la parte a, la tocan las cuerdas y vientos en un juego de pregunta-respuesta, y para la repetición de esta parte es el fortepiano el que expone el tema, sin ser acompañado por la orquesta (en la parte sucede algo parecido, pero el piano no está solo en la repetición de la parte b).

    – La quinta, en la que se recupera el modo mayor y un carácter mucho más vivo y alegre. El liderazgo se intercala entre la orquesta y el fortepiano.

    – La sexta, la más larga y desarrollada, que presenta un juego constante entre el piano y el resto de la orquesta, exponiendo el tema de forma conjunta.

    Ahora una pequeña conclusión. Aunque en este comentario sólo me he centrado en la información más necesaria para explicar el concierto de Mozart, el resto de la unidad me ha resultado muy interesante. Por un lado, porque la explicación de la forma de sonata, con todas las variantes que pueden encontrarse en su estructura, me ha servido de ayuda para entender y realizar mejor los análisis de las sonatinas. Y por otra parte, porque he disfrutado conociendo más sobre algunas de las modas musicales europeas de la época, especialmente el “Sturm und Drang” (que ya conocía de antes, pero no sabía mucho de él) y el fandango, el cual conocía ya por el tercer acto de “Las bodas de Fígaro” (uno de los ejemplos que aparecen en el vídeo sobre este tema de la unidad).

  2. Durante el clasicismo (1750-1820) estaba ocurriendo un cambio en la sociedad en el que la burguesía buscaba cierto reconocimiento en la sociedad e iban en contra de injusticias que afectaban a su clase social.
    La burguesía será muy influyente en la música del clasicismo, que está caracterizada principalmente por su elegancia y su claridad. A diferencia de los compositores de otras etapas culturales, se podría decir que los compositores clásicos optaron por crear obras más sencillas rítmica y armónicamente.
    En la música de esta época se busca principalmente transmitir estos valores:
    -Internacionalismo: Al contrario que el estilo barroco que se caracterizaba por su origen nacional, el estilo clásico sirvió como una lengua común para los países europeos.
    -Sentimiento: Se caracteriza por la subjetividad al expresar sentimientos y basarse en el gusto al contrario a la objetividad barroca. Esta expresividad se puede mostrar con cambios de matices que se pueden interpretar en el pianoforte, que es un instrumento que deriva del clave.
    -Inteligibidad: En este movimiento se busca transmitir un mayor sentimiento y a la vez que las obras sean más sencillas que en el barroco.
    Las formas clásicas se adaptaron a los nuevos gustos y a la expresión de los sentimientos que se podía realizar a través de los nuevos instrumentos que permitían interpretar los matices de forma más clara. Pero para llegar al denominado estilo clásico definitivo la música tuvo que pasar por dos fases; la fase en la que la armonía y las texturas se simplifican y en la siguente fase se va aumentando poco a poco su complejidad.
    Una gran novedad fue la estructuración de las obras que se dividen en las siguientes partes:
    -Primer movimiento: Tiene forma de sonata.
    -Segundo movimiento: Tema y variaciones, o forma de sonata sin desarrollo o con un desarrollo muy breve.
    -Tercer movimiento: Minueto o Scherzo. Excluido en las sonatas y usado en serenatas y divertimentos.
    -Cuarto movimiento: Rondó, forma de sonata, o rondó-sonata.
    Los principales géneros clásicos son la sinfonía, la serenata, los divertimentos o las sonatas para piano o cuartetos de cuerda. Estos géneros tienen una estructura parecida ya que normalmente tienen el mismo número de movimientos.
    En esta etapa destaca la forma sonata con una estructura compuesta por las siguientes partes: Introducción, exposición, desarrollo, recapitulación y coda.
    Por último menciono la Serenata nº 10 de Mozart también conocida como “Gran Partita”, que consta de 7 movimientos:
    1. Largo. Molto Allegro.
    2. Menueto.
    3. Adagio.
    4. Menuetto. Allegretto.
    5. Romanze. Adagio.
    6. Tema con variazioni.
    7. Finale. Molto Allegro.

    En el sexto movimiento se identifican 6 variaciones caracterizadas por las intervenciones de instrumentos solistas y sus cambios de tempo se producen a partir de un Andante.

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